Guerre - Genres

Caractéristiques des films de guerre

Le terme "film de guerre" est utilisé pour désigner un genre, dont les représentants se réfèrent à un conflit armé spécifique dans l'histoire de l'humanité, c'est-à-dire des événements de nature militaire qui se sont produits principalement dans la période allant de la Première Guerre mondiale (lorsque les films de guerre se sont imposés en tant que genre propre) à nos jours. Certains films traitent de conflits plus anciens, datant souvent de bien avant l'invention du cinéma, mais ils sont généralement considérés comme des films historiques, partant relatant d'un autre genre. Le but des films de guerre est de transmettre l'atmosphère qui règne sur les champs de bataille et dans les camps militaires, de rapprocher le public des aspects communs de la vie militaire et de l'état d'esprit de l'époque dans la société et parmi les participants au conflit, et d'évoquer les sentiments des personnages confrontés aux horreurs de la guerre qui traversent non seulement des traumatismes, mais aussi des actes héroïques et la joie de la victoire. De nombreux films de guerre prennent une position anti-guerre, d'autres mettent en avant le patriotisme et l'héroïsme de leur nation, d'autres encore ont même servi d'instruments de propagande de guerre à leur époque.

Les films de guerre peuvent traiter de combats terrestres, aériens et navals (mais ce n'est pas une obligation ; certains films de guerre ne dépeignent pas du tout de combats ou de batailles), et leurs intrigues et personnages peuvent être soit entièrement fictifs, soit basés sur des événements et des personnes réels. Les thèmes typiques sont la camaraderie entre les soldats et leur lutte pour la survie, les représentations de la guerre et de toutes sortes d'opérations militaires, le sacrifice et l'héroïsme, les tueries, la mort et la destruction, les tentatives d'évasion et le châtiment des déserteurs et autres mécréants, le traitement des blessés, la vie de la population civile pendant la guerre, l'absurdité de la guerre et la futilité et l'inhumanité des combats, les questions morales soulevées par les guerres, et l'effet de la guerre et de ses conséquences sur le psychisme humain et sur la société dans son ensemble.

Les films de guerre diffèrent les uns des autres en fonction de l'époque et du pays où ils ont été réalisés, des régimes et des idéologies qui y sont imprimés, de leur cadre et de la période qu'ils dépeignent. D'autres différences peuvent également apparaître selon la forme et le sous-genre des films en question (il existe, par exemple, un certain nombre de comédies de guerre, de documentaires de guerre et de films sur l'Holocauste axés sur le génocide des Juifs et leur misère dans les camps de concentration), et selon qu'ils se concentrent sur des scènes de bataille spectaculaires ou sur la psychologie des personnages, qu'ils abordent la guerre d'un point de vue général ou individuel, et également selon l'attitude qu'ils adoptent à son égard. En outre, certains thèmes de la guerre (grandes armées, batailles riches en action, souvenirs traumatisants, etc.) sont souvent utilisés dans des films de genres distincts, ainsi que dans des films qui ne se déroulent pas directement pendant la guerre, mais dont les héros sont, par exemple, des vétérans de guerre.

Les films de guerre muets, la Première Guerre mondiale

Le motif de la guerre a été présent dans le cinéma depuis ses débuts - l'un des premiers exemples en a été un film d'une minute, du réalisateur Georges Méliès, datant de 1897, intitulé Combat naval en Grèce, qui décrivait l'action se passant sur un cuirassé, pendant la guerre, entre la Grèce et la Turquie, pour l'île de Crète, qui a eu lieu cette année-là. Avant la Première Guerre mondiale, la guerre hispano-américaine de 1898 (qui a fait l'objet d'une série de courts métrages documentaires et de longs métrages de reconstitution) et la guerre de Sécession de 1861 à 1865, ont souvent fait l'objet de films sur le thème de la guerre (voir, par exemple, The Fugitive, de D.W. Griffith, en 1910, et Naissance d'une nation, en 1915, qui a suscité une controverse et remporté un succès exceptionnel).

La Première Guerre mondiale a été une source d'inspiration pour de nombreux cinéastes et documentaires, avec des films réalisés sur les pratiques d'entraînement militaire, des batailles et des opérations militaires spécifiques, et les prisonniers de guerre, entre autres. La propagande de guerre était également fréquente, son but étant de faire de la publicité pour les forces armées et de leur gagner le soutien populaire. Par exemple, le film britannique The Battle of the Somme (1916) mêlait propagande et images documentaires des tranchées. Les Coeurs du monde (1918), de D. W. Griffith, était un film de propagande sur l'occupation de la campagne française, qui a pris de l'importance, et a utilisé des reconstitutions en studio d'événements réels. Charlie Chaplin fa ait sensation avec Charlot soldat (1918), une comédie de guerre burlesque, dont l'action se déroulait en partie dans les tranchées, qui était sortie deux semaines seulement avant la déclaration de l'armistice, tandis que Sublime infamie (1919) associait, remarquablement, un drame de guerre au thème de la vengeance. Après le conflit, le film français J'accuse ! (1919), qui traitait des conséquences négatives des horreurs de la guerre, est devenu une œuvre anti-guerre majeure.

De nombreux films, pendant et après la guerre, ont dépeint les Allemands, de manière unilatérale, comme des méchants. Le film fortement anti-guerre de Rex Ingram, Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse (1921), en a été un exemple ; il a même été interdit en Allemagne pour incitation à la haine entre les nations. La Grande Parade (1925) de King Vidor se distinguait par ses scènes réalistes de champ de bataille et est devenu l'un des films muets les plus rentables de tous les temps. Le tout premier Oscar, dans la catégorie du « Meilleur Film », a été attribué au film de guerre Les Ailes (1927). Mettant en scène des aviateurs militaires, il a établi les conventions pour filmer les combats aériens, qui se sont imposées pendant de nombreuses années, et a également été le seul film muet à remporter un Oscar dans la catégorie principale.

 

Les premiers films de guerre sonores

Après l'avènement de l'ère du son, les cinémas ont été inondés de films de guerre. La seule année 1930 a vu la sortie de Les Anges de l'enfer de Howard Hughes, un film à gros budget sur les affrontements entre pilotes britanniques et allemands, La Patrouille de l'aube de Howard Hawks, qui évoquait des pilotes américains, La Fin du voyage de James Whale, l'histoire de deux officiers britanniques dans les tranchées françaises, et À l'Ouest, rien de nouveau, une adaptation du célèbre roman anti-guerre d'Erich Maria Remarque, sur les conscrits allemands. Le roman d'Ernest Hemingway "L'Adieu aux Armes", qui racontait l'histoire d'amour tragique entre un ambulancier et une infirmière, pendant la Première Guerre mondiale, a été adapté au cinéma sous le même titre en 1932. En Allemagne, les événements sur le front ont été dépeints dans le film Quatre de l'infanterie de G.W. Pabst (1930).

Dans le film de guerre d'aventure-psychologique La Patrouille perdue (1934) de John Ford, les personnages principaux étaient un groupe de soldats britanniques, quelque part dans le désert du Moyen-Orient, qui perdaient leur commandant à cause d'une balle arabe perdue, le seul qui connaissait son chemin dans cet endroit aride. Le film, The Dawn Patrol (1938), quant à lui, se concentrait sur les pilotes d'une base aérienne britannique, et démontrait la futilité et l'absurdité de la guerre à travers les personnages de jeunes hommes envoyés à la mort. Le même thème était également le sujet du film anti-guerre français de Jean Renoir, La Grande Illusion (1937), qui, tout en se passant de mettre en scène des combats, reflétait la crainte de l'Europe de nouveaux conflits (deux ans avant le début de la Seconde Guerre mondiale).

 

La Seconde Guerre mondiale

Le début de la Seconde Guerre mondiale a donné un nouvel élan à la nouvelle vague de films de guerre, et le conflit lui-même deviendrait l'un des sujets les plus gratifiants auxquels de nombreux cinéastes ont été amenés à revenir par la suite. Au début des années 1940, des films fortement patriotiques ont commencé à être réalisés à Hollywood et au Royaume-Uni, par exemple Sergeant York (1941) de Howard Hawks, qui a remporté deux Oscars et qui était basé sur l'histoire réelle de l'un des soldats les plus célèbres de la Première Guerre mondiale. De ses douze nominations aux Oscars, la moitié est allée à Madame Miniver (1942), qui avait une forte tonalité propagandiste, tout comme L'Ange des ténèbres (1943) et L'Étoile du Nord (1943), qui soulignaient les mérites des armées alliées et des partisans. Les documentaires de propagande glorifiants ont été également fréquents, certains étant même produits directement en collaboration avec l'armée. Par exemple, le documentaire britannique Target for Tonight (1941) racontait l'histoire de pilotes de bombardiers et d'une de leurs missions, avec les véritables protagonistes de ces opérations. Les studios d'animation ont également produit des films de propagande, dont beaucoup provenaient de Walt Disney, par exemple, le court métrage oscarisé Le Visage du Führer (1942), qui se moquait de la vie dans l'Allemagne nazie, à travers le personnage de Donald Duck. En revanche, les films britanniques tels que Ceux qui servent en mer (1942) et L'Héroïque parade (1944) se sont efforcés d'être réalistes et n’ont pas été aussi chargés de propagande.

Deux des meilleurs films de guerre réalisés aux États-Unis pendant le conflit ont été Guadalcanal (1943) et Trente secondes sur Tokyo (1944). Tous deux mettaient l'accent sur l'histoire, le premier racontant la bataille entre les Japonais et les Américains sur l'île de Guadalcanal dans le Pacifique, moins d'un an après l'attaque de Pearl Harbor, et le second traitant directement du raid sur Pearl Harbor et des représailles américaines qui l'ont suivi. A la même époque, Les Sacrifiés (1945) racontait l'histoire d'une petite unité navale américaine qui tentait de défendre les Philippines contre l'offensive japonaise, tandis que les événements qui ont suivi l'invasion ont été décrits dans Bataan (1943). En revanche, Les Forçats de la gloire (1945) se concentrait sur la fatigue et l'anxiété ressenties par les soldats dans l'armée. Dans Lifeboat (1944) d'Alfred Hitchcock, plusieurs passagers d'un navire coulé pendant la Seconde Guerre mondiale se retrouvaient dans un bateau, avec un membre d'équipage, survivant, du sous-marin allemand responsable du naufrage. Pour le documentaire de guerre La Vraie gloire (1945), des cinéastes américains et britanniques ont collaboré pour récapituler les dernières étapes de la guerre. Dans l'Allemagne nazie, en revanche, les films de guerre tels que Victory in the West (1941) ou Kolberg (1945) avaient des objectifs purement propagandistes.

Dans Le Dictateur (1940), une comédie qui faisait une satire acerbe du fascisme, son réalisateur Charlie Chaplin jouait le double rôle d'un barbier juif et d'un dictateur coriace, dont l'apparence et les gestes rappelaient étonnamment Adolf Hitler. Imitant également la vie sous le Troisième Reich, la comédie de guerre Jeux dangereux (1942), évoquait un groupe d'acteurs, interdits de jouer leur pièce antinazie, qui rejoignait la résistance dans la Pologne occupée. En revanche, dans Sahara (1943), les conflits de la guerre étaient métaphoriquement présents dans l'histoire de plusieurs hommes, représentant les différentes armées alliées, qui se battaiient contre des soldats allemands, pour un puits dans le désert aride. Un point chaud africain posait également le cadre de Les Cinq secrets du désert (1943), dont le protagoniste découvrait accidentellement le camp de commandants allemands dans un hôtel égyptien. Convoi vers la Russie (1943), en revanche, se déroulait dans une mer glaciale et comportait plusieurs scènes de bataille navale. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il y a également eu plusieurs films de guerre traitant de l'histoire antérieure, comme Pour qui sonne le glas (1943), basé sur le roman du même nom, qui mettait en scène des partisans pendant la guerre civile espagnole.

 

Les films américains et britanniques après la Seconde Guerre mondiale

L'un des films de guerre les plus remarquables, sortis peu après la Seconde Guerre mondiale, a été le film britannique Une question de vie ou de mort (1946), qui associait un drame de couleur à des séquences de rêve en noir et blanc, dans l'histoire d'un jeune pilote échappant de peu à la mort avant de recevoir la visite d'un messager céleste. Parmi les productions américaines qui ont eu un impact significatif, citons Un homme de fer (1949), qui dépeignait le sort des aviateurs américains en Grande-Bretagne ; Iwo Jima (1949), traitant de la bataille américaine contre les Japonais sur la célèbre île du Pacifique ; et Bastogne (1949), l'histoire, nommée six fois aux Oscars, d'une unité de parachutistes isolée au cours de l'une des plus grandes offensives des nazis, tandis que Je suis un nègre (1949) se concentrait, de façon critique, sur le thème du racisme dans l'armée américaine.

Les années 1950 et 1960 n'ont pas produit autant de films de guerre que la décennie précédente, mais leur popularité est restée élevée. Le film britannique La Mer cruelle (1953), sur la bataille de l'Atlantique, et Les Briseurs de barrages (1955), sur des pilotes larguant des bombes sur des barrages allemands, ont tous deux connu un succès exceptionnel. Huit Oscars ont récompensé Tant qu'il y aura des hommes (1953) de Fred Zinnemann, qui était pour l’essentiel, un drame romantique se déroulant à Pearl Harbor, jusqu'à ce que le raid aérien japonais n’ait interféré violemment avec les relations amoureuses de plusieurs personnages. Les films Stalag 17 (1953) et Les Indomptables de Colditz (1955) se déroulaient tous deux dans des camps de prisonniers allemands, le second popularisant le thème de l'évasion, tandis qu'Attaque ! (1956) traitait d'un conflit au sein d'une unité militaire dirigée par un commandant incompétent. L'année 1957 a été une année exceptionnelle en ce qui concerne le genre du film de guerre. C’est ainsi que de nombreux films de guerre ont été produits, dont L'Evadé du camp 1 et Amère victoire, entre autres. Cette année-là a surtout été marquée par la sortie du film Le Pont de la rivière Kwai, réalisé par David Lean et récompensé par sept Oscars, qui dépeignait l'abus de pouvoir, lors de la construction d'un pont en Birmanie, dont était l’objet des prisonniers alliés sous la supervision de leurs geôliers japonais.

 

Autres films de guerre en langue anglaise des années 1960 aux années 1980

Les Canons de Navarone (1961) a reçu sept nominations aux Oscars, avec son histoire sur la mission d'une petite unité de sabotage devant détruire des canons allemands sur une île. Le spectaculaire Le Jour le plus long (1962), qui jetait un regard authentique sur le premier jour du débarquement en Normandie du point de vue des deux camps, était également en lice pour cinq statuettes dorées. Le thème de l'évasion d'un camp de prisonniers a été rendu de manière spectaculaire dans La Grande Evasion (1963) de John Sturges. Des films de guerre comme Le Train (1964) et le film d'espionnage Quand les aigles attaquent (1968), dont les héros tentaient de libérer un général britannique capturé par les Allemands « au Nid d'aigle », utilisaient la guerre principalement comme toile de fond pour un défilé de scènes d'action. En revanche, des films tels que La Bataille des Ardennes (1965), La Bataille d´Angleterre (1969) et La Bataille de Midway (1976) se concentraient sur des actions militaires spécifiques.

Le film anti-guerre Un jour parmi tant d'autres (1968), qui racontait l'histoire de trois parachutistes britanniques piégés dans une ferme abandonnée en territoire ennemi, misait sur la psychologie et l'atmosphère de suspense. Le film anti-guerre, La Colline des hommes perdus (1965) de Sidney Lumet, se déroulait dans un centre disciplinaire pour soldats britanniques dans le désert libyen, et critiquait les méthodes sans scrupules de commandants qui abusaient de leur position. Robert Aldrich allait à l'encontre du modèle du héros de guerre dans son film Les Douze salopards (1967), dont les antihéros étaient des criminels violents qui se préparaient à une mission suicide impliquant l'infiltration d'un manoir gardé destiné à des réunions de commandants allemands de haut rang. En revanche, Comment j'ai gagné la guerre (1967), Catch 22 (1970) et Docteur Folamour (1964), de Stanley Kubrick, qui utilisait l'humour noir pour se moquer de la guerre froide et de la menace de guerre nucléaire, empruntaient la voie de la satire de guerre.

Tora ! Tora ! Tora ! (1970), un récit factuel, et sans pathos, de l'attaque de Pearl Harbor du point de vue des deux camps, est devenu un succès au Japon grâce à son équilibre et à son impartialité, tandis que le film biographique Patton (1970), qui dépeignait la vie de l'un des plus grands chefs militaires américains, a été récompensé par sept nominations aux Oscars sur dix. Dans la seconde moitié des années 1970, divers thèmes liés à la Seconde Guerre mondiale ont été explorés dans des films tels que L'Aigle s'est envolé (1976), Les Oies sauvages (1978), une suite libre des Canons de Navarone, intitulée L'Ouragan vient de Navarone (1978), et Un pont trop loin (1977), sur la plus grande opération aéroportée de l'histoire. La nature pathétique et pompeuse de certains films de guerre américains des années 1960 et 1970 a été écrasée par le réalisateur Steven Spielberg avec sa farce comique 1941 (1979), avant qu’il n’ait tourné le drame de guerre Empire du soleil (1987), nommé six fois aux Oscars, dans lequel il a dépeignait les événements d'un camp de prisonniers japonais à travers les yeux d'un garçon de 11 ans. Furyo (1983) se déroulait dans un camp de prisonniers japonais, et La Guerre à sept ans (1987) abordait également la guerre à travers les yeux d'un enfant.

En outre, ces décennies ont vu un nombre considérable de films revisiter les événements de la Première Guerre mondiale. Parmi les plus célèbres, citons Les Sentiers de la gloire (1957) de Kubrick, fortement anti-guerre, dans lequel un colonel idéaliste était confronté aux actions absurdes de ses supérieurs, et Lawrence d'Arabie (1962) de David Lean, film épique et sept fois oscarisé, qui associait un thème de guerre au récit biographique d'un officier britannique ayant réussi à unir les tribus arabes dans leur lutte contre les Ottomans. On citera encore le film anti-guerre Johnny s'en va-t-en guerre (1971) était basé sur le roman de Dalton Trumbo sur un soldat estropié ; Le Tigre du ciel (1976) de Jack Gold, un film sur les aviateurs de la Première Guerre mondiale, qui proposait des duels aériens entre biplans ; et le drame australien Gallipoli (1981), de Peter Weir, qui racontait les combats sur la péninsule turque du point de vue d'un corps d'armée australo-néo-zélandais.

 

Les films italiens et espagnols après la Seconde Guerre Mondiale

Les films de guerre italiens ont été fortement influencés par la montée du néoréalisme, un mouvement qui reflétait la réalité sociale de l'Italie d'après-guerre et se concentrait sur des lieux authentiques et des histoires tirées de la vie des pauvres et de la classe ouvrière. Rome, ville ouverte (1945) a contribué à établir cette tendance à la fin de la Seconde Guerre mondiale, en décrivant le destin de gens ordinaires dans la Rome occupée par les Allemands, et en mettant en scène des non-acteurs ainsi que des enfants, symbolisant l'avenir plein d'espoir de la société italienne. Il a été suivi, entre autres, du film d'anthologie Païsa (1946) et de La Paysanne aux pieds nus (1960), sur une mère et sa fille qui s'échappaient de Rome bombardée pour rejoindre une communauté villageoise de montagne. Des films tels que Les Evadés de la nuit (1960), La Grande Pagaille (1960), La Bataille de Naples (1962) et La Peau (1981) se déroulaient également pendant la Seconde Guerre mondiale. En revanche, La Grande Guerre (1959) et Les Hommes contre (1970) revisitait les événements de la Première Guerre mondiale, tandis que La Bataille d'Alger (1966) se concentrait sur la lutte pour l'indépendance de l'Algérie dans les années 1950 et 1960.

Un genre de film de guerre purement commercial a également vu le jour en Italie : la "guerra". Il s'agissait principalement de films d'action-aventure qui exploitaient des thèmes de guerre attrayants, tels que Tête de pont pour huit implacables (1967), The Battle  of the Damned (1969) et Rangers Attack at Hour X (1970). Des films de guerre bon marché ont également été réalisés en Espagne à la même époque, par exemple Panzer division (1969) et Le Commando des braves (1970). Les films de guerre espagnols plus sérieux, cependant, étaient dominés par les thèmes de la guerre civile espagnole et du fascisme franquiste qui lui avait succédé, thèmes qui n'ont été correctement reflétés qu'après la mort du dictateur, dans la seconde moitié des années 1970. La vie, pendant et après la guerre, a été dépeinte dans des films tels que L'Esprit de la ruche (1973) et Les Bicyclettes sont pour l'été (1984). Parmi les autres films de guerre espagnols, citons le satirique The Heifer (1985) et le film primé ¡Ay, Carmela! (1990).

 

Films de guerre européens d'autres pays après la Seconde Guerre mondiale

Le drame de guerre français, Jeux interdits (1952), a reçu un Oscar honorifique et un certain nombre d'autres prix internationaux pour son histoire de deux enfants jouant à des jeux légèrement morbides. De nombreux autres films de guerre français ont été réalisés dans le cadre de coproductions internationales, souvent avec l'Italie, l'Espagne ou l'Allemagne de l'Ouest. Parmi les plus connus, citons Un taxi pour Tobrouk (1960), Les Carabiniers (1963), Week-end à Zuydcoote (1964), L'Armée des ombres (1969), Le Vieux fusil (1975), Le Dernier Métro (1980) et Les Morfalous (1984). Les comédies de guerre françaises étaient également populaires, par exemple La Grande Vadrouille (1966), Les Bidasses en folie (1971) et Mais où est donc passée la septième compagnie ? (1973). En Allemagne de l'Ouest, des films comme Le Pont de la rivière Kwai (1957) et Le Tambour (1979) ont connu le succès, tandis que des films est-allemands comme Étoiles (1959), The Gleiwitz Case (1961), Nu parmi les loups (1963) et The Woman and the Stranger (1985) méritent également d'être mentionnés.

En Pologne, l'un des principaux représentants du genre du film de guerre a été le réalisateur Andrzej Wajda, qui est devenu célèbre avec Génération (1955), Kanal – Ils aimaient la vie (1956), La Dernière Charge (1959), Samson (1961) et Paysage après la bataille (1970). Parmi les autres films de guerre polonais, citons Eroica (1957), Cross of Valor (1958), Birth Certificate (1961) et la comédie de guerre en trois parties Comment j'ai provoqué la Seconde Guerre mondiale (1969). En Tchécoslovaquie, le genre film de guerre comprenait, par exemple, la paire de comédies populaires Le Brave Soldat Svejk (1956) et I Dutifully Report (1957), qui se déroulait pendant la Première Guerre mondiale, puis, entre autres, Capitain Dabac (1959), Laundryboy (1960), Death is Called Engelchen (1963) et Commando à Prague (1964), ainsi que Riders in the Sky (1968), un film sur les aviateurs tchécoslovaques au service de la Royal Air Force britannique. Le film anti-guerre Signum Laudis (1980), qui critiquait l'abus de pouvoir et le suivi fanatique et aveugle des ordres sur fond de deux histoires de la Première Guerre mondiale, et Cuckoo in a Dark Forest (1984), coproduit avec la Pologne, étaient également importants.

Parmi les productions yougoslaves, les drames de guerre, La Bataille de la Neretva (1969), réalisé en hommage aux partisans qui ont combattu pendant la Seconde Guerre mondiale, et L'Occupation en 26 images (1978), l'histoire de trois amis issus de familles aisées de Dubrovnik, déchirés par la guerre, ont marqué l'histoire. Parmi les autres films qui méritent d'être mentionnés, citons The Girl (1965), The Demolition Squad (1967), The Morning (1967), Bloody Fairytale (1969), Walter défend Sarajevo (1972) et The Fall of Italy (1981), ainsi que le film finlandais Soldats inconnus (1955), son remake de 1985, La Guerre d'hiver (1989), le film suédois La Honte (1968), le film hongrois The Fifth Seal (1976), le film néerlandais Le Choix du destin (1977) et Les Anges marqués (1948), une coproduction helvético-américaine réalisée peu après la Seconde Guerre mondiale.

 

Films de guerre soviétiques

Le film soviétique le plus célèbre de l'ère du muet, Le Cuirassé Potemkine (1925), est entré dans l'histoire, entre autres, par sa scène évocatrice d’un massacre sur les marches d'Odessa. Son réalisateur, Sergueï M. Eisenstein, est devenu l'un des principaux représentants de l'école de montage soviétique. Eisenstein l'a suivi avec Octobre (1928), pour le dixième anniversaire de la Révolution russe d'octobre. La Fin de Saint-Pétersbourg (1927) et Moscou in October (1927) ont également été réalisés à la même occasion. D'autres événements de la Guerre civile russe ont été dépeints dans Chapaïev (1934) et Lenin in 1918 (1936), puis dans La Commissaire (1967), dont l'héroïne était membre de l'Armée rouge, déchirée entre le fanatisme révolutionnaire et les sentiments maternels. Les films réalisés pendant la Seconde Guerre mondiale étaient souvent chargés de propagande ; il était courant de mettre en avant le patriotisme, la vaillance et la détermination des héroïques soldats russes, tout en dénigrant l'ennemi allemand, soulignant ses actes monstrueux. Par exemple, Moscow Skies (1944) et The Sky Slow-Mover (1945) dépeignaient l'héroïsme des aviateurs soviétiques, tandis que Son of the Regiment (1946), qui racontait l'histoire d'un orphelin caché dans une unité d'artillerie, s'adressait aux jeunes spectateurs par le biais de son jeune protagoniste.

Les patriotes dévoués et les héros indomptables, issus des rangs des travailleurs ordinaires, étaient un thème fréquent même après la guerre. Par exemple, Story of a Real Man (1948) dépeignait le drame, tiré de faits réels, d'un pilote abattu qui parvenait à ramper vers la liberté, après s'être écrasé en territoire ennemi, malgré de graves blessures. Cependant, à partir de la seconde moitié des années 1950, de nombreux films soviétiques n’ont plus mis l’accent sur le patriotisme, préférant critiquer la guerre et refléter radicalement son impact négatif sur le paysage, la société et le sort des gens. Quand passent les cigognes (1957), de Mikhaïl Kalatozov, par exemple, utilisait l'histoire d'une jeune femme moscovite pour montrer comment la guerre avait cruellement affecté la vie de la majorité de la population, et Le Destin d'un homme (1959), de Sergey Bondarchuk, montrait comment la guerre privait, de presque tout, la famille d'un homme appelé au front. Les images d'un pays dévasté par la guerre étaient le sujet de la La Ballade du soldat (1959), de Grigoriy Chukhray, dont le jeune héros, au grand cœur, était récompensé par un laissez-passer pour avoir désarmé des chars ennemis, qu'il utilisait pour voyager loin et rendre visite à sa mère, tandis que dans son premier film, L'Enfance d'Ivan (1962), le réalisateur Andrei Tarkovsky se concentrait sur l'histoire d'un garçon de 11 ans dont la mère avait assassinée pendant la guerre.

Le réalisateur Yuriy Ozerov est devenu célèbre pour ses chroniques épiques et tentaculaires, telles que la série en cinq parties intitulée Liberation (1969-1971), le drame de guerre, d’une durée de sept heures, intitulé Soldiers of Freedom (1977), l'épopée de six heures intitulée The Battle for Moscow (1985) et le film de trois heures intitulé Stalingrad (1990), qui n'avait plus de parti pris idéologique, et adoptait une vision plus ou moins équilibrée de l'une des batailles les plus cruciales de la Seconde Guerre mondiale. La trilogie des partisans d'Igor Gostev, composée de Front Without Flanks (1974), Front Beyond the Front Line (1977), et Front in the Rear of the Enemy (1981), a également été importante. Le film The Hot Snow (1972) racontait l'histoire d'artilleurs russes tentant de détruire des chars allemands pendant le siège de Stalingrad, tandis que Blockade (1974) traitait de manière similaire du siège de Leningrad. Un film de guerre notable a été La 359ème section (1972), nommé aux Oscars, qui racontait l'histoire d'un régiment militaire entièrement féminin, affecté à un commandant volontaire. Les films de Bondarchuk, They Fought For Their Country (1975), sur la retraite des troupes soviétiques face aux Allemands qui se dirigeaient vers Stalingrad, et L'Ascension (1977), sur le sort de deux partisans biélorusses en captivité en Allemagne, ont également remporté un certain nombre de prix, tout comme le drame d'Elem Klimov, Requiem pour un massacre (1985), qui dépeignait les horreurs de la guerre du point de vue d'un partisan de 14 ans, dont le traumatisme psychologique croissant se répercutait progressivement sur son apparence physique, le transformant au point de le rendre méconnaissable.

 

La guerre du Viêt Nam

Le conflit de près de vingt ans au Viêt Nam, dans lequel les États-Unis étaient fortement impliqués, n’a été reflété dans le cinéma d’Hollywood qu’en généra plutôt à la fin de celui-ci. L'industrie cinématographique était en crise à l'époque, et le sujet était très sensible en raison des fortes protestations suscitées par l'implication du pays dans le conflit. L'une des rares exceptions a été Les Bérets verts (1968), un film patriotique réalisé pendant la guerre sur un colonel chargé de kidnapper un commandant vietnamien. La comédie M.A.S.H. (1970) de Robert Altman, nommée cinq fois aux Oscars, se déroulait certes en Corée, tout en faisant clairement allusion à la guerre du Viêt Nam. Ce n'est qu'à partir de la seconde moitié des années 1970 que les cinéastes ont commencé à s'intéresser à ce sujet, présentant souvent les soldats vietnamiens de manière stéréotypée, leur attribuant une inhumanité et une cruauté excessives, et les civils vietnamiens comme des victimes passives, voire des prostituées. À l'opposé, on trouvait par exemple, le film vietnamien Terre dévastée (1979), qui montrait avec indulgence et compréhension, des Américains hostiles.

L'un des films les plus célèbres de cette période a été le drame psychologique de guerre intitulé : Voyage au bout de l'enfer (1978) de Michael Cimino, récompensé par cinq Oscars, qui utilisait l'histoire de plusieurs hommes traumatisés par les horreurs de la guerre, pour dépeindre le contraste entre leur vie idyllique, avant leur entrée dans le conflit, et l'existence malaisée, faite de déception et de scepticisme, après leur retour, ou encore Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola, nommé huit fois aux Oscars, qui évoquait l'atmosphère de l'enfer de la guerre dans la jungle vietnamienne, à travers le destin d'un capitaine américain à la recherche d'un colonel mystérieusement disparu. Le film anti-guerre intimiste, Le Retour (1978) de Hal Ashby, en revanche, évitait les remous de la guerre, se concentrant sur les tribulations d'un soldat et de sa femme, cette dernière tombant amoureuse d'un vétéran handicapé pendant l'absence de son mari. Une contribution majeure au genre du film de guerre a été Platoon (1986), que son réalisateur, Oliver Stone, a réalisé à partir de ses souvenirs de son propre passage dans l'armée américaine sur le sol vietnamien. Stone est ensuite revenu sur le thème du Viêt Nam, tout d’abord dans Né un 4 juillet (1989), un film sur un vétéran paralysé, puis dans le drame Entre ciel et terre (1993). Stanley Kubrick a également marqué l'histoire du cinéma de guerre avec Full Metal Jacket (1987), dont la première moitié se déroulait dans un centre d'entraînement, aux méthodes rudes, des Marines Corps américains, et la seconde moitié sur le front du Viêt Nam.

Parmi les autres films traitant de la guerre du Viêt Nam, citons Rambo (1982), qui mettait en scène un ancien combattant, incapable de s'adapter à la vie normale après son retour au pays, et sa suite, Rambo 2 : La Mission (1985), beaucoup plus riche en action, dans laquelle le massacre de dizaines d'ennemis communistes servait de remède à l'angoisse nationale des Américains d'avoir perdu la guerre. Ils ont été suivis, entre autres, par Jardins de pierre, de Coppola (1987), Hamburger Hill de John Irvin (1987), Platoon Leader (1988) et Outrages (1989), et Good Morning, Vietnam de Barry Levinson (1987), raconté du point de vue d'un animateur radio populaire de l'armée, tandis que Forrest Gump (1994), de Robert Zemeckis, qui, avec six de ses treize nominations aux Oscars, dépeignait la guerre du Viêt Nam du point de vue d'un simple d'esprit ayant assisté personnellement, tout au long de sa vie, aux événements les plus marquants de l'histoire américaine des années 1950 aux années 1980. Parmi les films ultérieurs sur le conflit vietnamien, citons Tigerland (2000), Nous étions soldats (2002), L'Ultime sacrifice (2019), Danger Close (2019) et Da 5 Bloods (2020), dans lequel quatre vétérans retournaient au Viêt Nam des années plus tard, pour rechercher les restes de leur commandant tombé au combat et un trésor caché.

 

Films sur la guerre sous-marine

Les films de sous-marins constituent un sous-genre spécifique des films de guerre, axé sur les opérations navales se déroulant sous la mer. Leurs intrigues tournent autour de l'action dans un sous-marin et leurs personnages sont un nombre restreint de membres d'équipages, qui font face aux attaques de navires ennemis, généralement des destroyers ou d'autres sous-marins. Plutôt que des combats endiablés, les films de sous-marins tendent à privilégier la tension psychologique, renforcée par le travail sur l'atmosphère (sensation de claustrophobie liée à l'espace confiné, à la pression ambiante et au danger constant de défaillance technique ou de dégâts mécaniques sur la coque), le son (bip du sonar, crissement des joints métalliques, explosions plus ou moins lointaines des grenades sous-marines, etc.) et le silence (l'équipage essayant généralement de ne pas faire de bruit lorsqu'il rencontre un ennemi invisible). La plupart des films sur les sous-marins se déroulent pendant la Première et surtout la Seconde Guerre mondiale, mais certains se déroulent également pendant la Guerre froide. On trouve également des films sur des sous-marins qui ne se déroulent pas pendant la guerre, et qui relèvent, par exemple, du genre de la science-fiction.

Bien que les sous-marins soient déjà apparus dans des films réalisés pendant et après la Première Guerre mondiale, les films entièrement consacrés à des sous-marins, n'ont commencé à être réalisés qu'un peu plus tard. Le film Submarine (1928) de Frank Capra, par exemple, racontait l'histoire de deux anciens amis, dont l'un est coincé dans un sous-marin en panne, et l'autre, un plongeur expérimenté entreprenant de le sauver. La majeure partie de l'intrigue du film allemand Dawn (1933) se déroulait déjà dans les entrailles d'un sous-marin, comme dans le cas du film américain de John Ford : Patrouille en mer (1938). Les héros du film britannique, L'Espion Noir (1939), devaient faire face à des espions allemands et à un capitaine de sous-marin chargé de couler la flotte britannique. Des films de sous-marins tels que Requins d'acier (1943), Destination Tokyo (1943) et Plongée à l'aube (1943), ainsi que le film de propagande 49ème parallèle (1941) ont été réalisés pendant la Seconde Guerre mondiale. Les films qui ont pris de l'importance après la guerre comprennent : Opération dans le Pacifique (1951), Opération Tirpitz (1955), Torpilles sous l’Atlantique (1957), L'Odyssée du sous-marin Nerka (1958) et La Dernière torpille (1958).

Parmi les films de sous-marins se déroulant pendant la guerre froide, citons Aux postes de combat (1965) et Sauvez le Neptune (1978), mais aussi À la poursuite d’Octobre rouge (1990) de John McTiernan, dont le protagoniste devait prouver qu'un sous-marin soviétique s'approchant des États-Unis, était en fait commandé par un capitaine désireux d'émigrer, et USS Alabama (1995) de Tony Scott, qui relatait une mutinerie à bord du sous-marin nucléaire le plus destructeur de l'armée américaine. Wolfgang Petersen est revenu sur les événements de la Seconde Guerre mondiale, dans son film de guerre épique allemand Le Bateau (1981), nommé pour cinq Oscars et toujours considéré comme l'un des meilleurs films de sous-marins de l'histoire du cinéma. Parmi les films réalisés peu après le tournant du millénaire, citons U-571 (2000), une histoire sur la recherche du dispositif de décryptage Enigma à bord d'un sous-marin allemand endommagé, et K-19: le piège des profondeurs (2002), sur la réparation du réacteur nucléaire d'un sous-marin soviétique menacé d'une explosion dévastatrice. Les sorties ultérieures comprenaient le film d’action de guerre Hunter Killer (2018) et le drame, moins riche en action, Kursk (2018), inspiré d'un événement réel en 2000, lorsqu'un sous-marin russe a coulé avec son équipage, après l'explosion soudaine de plusieurs torpilles.

 

Films de guerre en Chine et au Japon

Le genre cinématographique de la guerre est devenu proéminent en Chine au tournant des années 1930 et 40, avec des films généralement fortement patriotiques, ce qui a été souligné par la prise de pouvoir communiste en 1949. Par exemple, dans New Heroes and Heroines (1950), qui dépeignait les luttes des paysans pendant la guerre sino-japonaise, les principaux protagonistes étaient déjà un couple de paysans héroïques, révolutionnaires et membres du célèbre Parti communiste, et les batailles victorieuses de l'Armée populaire de libération de la Chine étaient également le sujet de From Victory to Victory (1952). La plupart des films chinois (pas seulement les films de guerre) des décennies suivantes étaient essentiellement des films de propagandes, du drame Battle on Shangganling Mountain (1956), décrivant les sacrifices héroïques des soldats chinois combattant les Américains pendant la guerre de Corée, à Sparkling Red Star (1974), réalisé pendant la Révolution culturelle.

Le changement est intervenu avec le film de guerre One and Eight (1983), qui a été soutenu par une nouvelle génération de cinéastes sans idéologie, se concentrant sur l'histoire, les personnages et les valeurs artistiques, et ouvrant la voie à des films ultérieurs tels que Wreaths at the Foot of the Mountain (1985) et Le Sorgho rouge (1987). L'évolution de la situation politique en Chine a été dépeinte dans le drame de guerre Vivre ! (1994), avec en toile de fond l'histoire d'une famille, et Héros de guerre (2007), qui se déroulait pendant la Seconde Guerre mondiale et tentai d'imiter les films de guerre américains, tandis que City of Life and Death (2009) traitait du massacre de la population chinoise par les soldats japonais dans la seconde moitié des années 1930, un sujet sur lequel de nombreux cinéastes sont revenus. Les films de guerre modernes, tels que Sky Hunter (2017), Operation Red Sea (2018) et la série Wolf Warriors (à partir de 2015), ont connu le succès en tant que divertissements d'action au ton patriotique, visant à présenter la Chine comme une puissance invincible à laquelle il serait préférable de ne pas se frotter.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le Japon a produit principalement des films de propagande, qui ont été remplacés dans la décennie suivante, par des films anti-guerre axés sur des messages spirituels et pacifistes (par exemple, le poétique La Harpe de Birmanie, en 1956) et des destins humains individuels (Les Feux dans la plaine, du même réalisateur, en 1959). La Condition de l’homme, en revanche, était une réalisation importante, une fresque de guerre monumentale en six parties, de près de dix heures, tournée entre 1959 et 1961, qui dépeignait le destin d'un jeune soldat pendant la Seconde Guerre mondiale. En revanche, Japan's Longest Day (1967) et Les Marines attaquent Okinawa (1971), entre autres, ont été des films de guerre plus traditionnels, tandis que des films comme Sous les drapeaux, l'enfer (1972), Les Enfants d'Hiroshima (1952) et Les Enfants de Nagasaki (1983) traitaient des traumatismes de l'après-guerre. Les dessins animés japonais ont également reflété des thèmes de guerre, par exemple dans Gen d’Hiroshima (1983), Le Tombeau des lucioles (1988) et Dans un recoin de ce monde (2016).

 

Films de guerre américains et britanniques des années 1990

Memphis Belle (1990), qui rendait hommage à l'équipage américain du célèbre bombardier de l'armée de l'air britannique pendant la Seconde Guerre mondiale, était remarquable pour ses scènes aériennes réalistes. Section 44 (1992) se déroulait également pendant la Seconde Guerre mondiale, tout comme le drame romantique de guerre Le Patient anglais (1996), récompensé par neuf Oscars, dans lequel un soldat blessé racontait à une infirmière ses souvenirs des événements survenus avant et pendant la guerre. Michael Collins (1996), de Neil Jordan, en revanche, tournait autour du fondateur de l'Armée républicaine irlandaise, qui avait réussi à unir les masses pendant la lutte pour l'indépendance de l'Irlande. A l´épreuve du feu (1996), et le film comique et stylisé Les Rois du désert (1999), ont été inspirés par la guerre du Golfe, tout comme Jarhead, la fin de l'innocence (2005) de Sam Mendes, qui se déroulait dans le désert d'Arabie, baigné de soleil. Dans La Ligne rouge (1998), le réalisateur Terrence Malick a dépeint la bataille entre les Américains et les Japonais pour l'île de Guadalcanal, dans le Pacifique, en se concentrant moins sur les troubles de la guerre, en tant que tels, que sur une plongée psychologique dans l'âme de soldats habités par la peur et l'incertitude.

Steven Spielberg a remporté sept Oscars avec La Liste de Schindler (1993), film acclamé sur la Shoah, qui racontait l'histoire d'un homme d'affaires ayant sauvé des centaines de Juifs des camps de concentration. Spielberg remporterait ensuite un autre succès avec Il faut sauver le soldat Ryan (1998), qui a obtenu cinq de ses onze nominations aux Oscars et a apporté une innovation certaine au genre du film de guerre. Son histoire d'une mission de sauvetage, qui commençait par une séquence naturaliste, de près d'une demi-heure, du débarquement en Normandie, filmée en caméra portée, a remporté un grand succès auprès du public et a relancé l'intérêt pour les films sur le thème de la Seconde Guerre mondiale. Il a été suivi, sur le plan thématique, par Stalingrad (2001), Mission évasion (2002) et Pearl Harbor (2001), dans lequel le réalisateur Michael Bay mélangeait l'intrigue de la célèbre attaque avec l'histoire d'un triangle amoureux.

 

Les films de guerre américains et britanniques après 2001

Les événements du 11 septembre 2001 ont conduit à la guerre américaine contre le terrorisme, qui a notamment inspiré le film Zero Dark Thirty (2011), sur le raid militaire contre Oussama Ben Laden. La guerre d'Afghanistan qui s'en est suivie, a fait l'objet de films tels que Du sang et des larmes (2013) et Horse Soldiers (2018), tandis que la guerre d'Irak a fait l'objet de The Messenger (2009), Green Zone (2010), du film American Sniper (2014), nommé pour six Oscars, et du drame de guerre Démineurs (2008), récompensé par six Oscars, qui traitait de la vie des membres d'une équipe de démineurs de l'armée. Le drame de guerre La Chute du faucon noir (2001), de Ridley Scott, s'est concentré sur le destin d'une unité d'élite de l'armée américaine ayant fondamentalement sous-estimé la force de l'ennemi lors d'une opération en Somalie. Les Larmes du soleil, en 2003 (Nigeria), Hotel Rwanda, en 2004 (Rwanda), Beasts of No Nation, en 2015 (Liberia), et 13 Hours, en 2016 (Libye) se déroulaient également dans des pays africains.

La Seconde Guerre mondiale a servi de cadre à Enigma (2001), Les Insurgés (2008) et Reviens-moi (2007), nommé à sept Oscars, et célèbre pour sa scène unique sur la plage de Dunkerque, et sa fin postmoderne métafictionnelle. En 2006, Clint Eastwood a réalisé deux films consacrés à la bataille d'Iwo Jima, offrant une perspective américaine dans Mémoires de nos pères, et une perspective japonaise dans Lettres d'Iwo Jima. Le protagoniste de Walkyrie (2008), de Bryan Singer, était, lui, un colonel meurtri par la guerre et chargé d'assassiner Adolf Hitler. Il apparaîtrait plus tard dans Inglourious Basterds (2009), de Quentin Tarantino, un film qui s'aventurait dans les eaux de l'histoire alternative, en modifiant fondamentalement le cours de la Seconde Guerre mondiale, à travers le récit d'une unité militaire spécialisée dans l'assassinat de nazis de haut rang. Steven Spielberg est revenu à la Première Guerre mondiale dans Cheval de guerre (2011), et l'a filmée du point de vue du personnage principal, un cheval.

Dans Imitation Game (2014), nommé pour huit Oscars, le protagoniste était Alan Turing, un mathématicien et cryptanalyste dont l'équipe avait réussi à déchiffrer le code Enigma pendant la Seconde Guerre mondiale. La Seconde Guerre mondiale a également été revisitée dans Fury (2014) de David Ayer, Alliés (2016) de Robert Zemeckis, dans lequel un couple marié d'espions britanniques en temps de guerre était déchiré par une suspicion mutuelle, et Les Heures sombres (2017) de Joe Wright, nommé six fois aux Oscars, qui se concentrait sur Winston Churchill. Il y eut aussi Dunkerque (2017), de Christopher Nolan, nommé pour huit statuettes et qui agressait les sens du public, avec l'histoire de l'évacuation des troupes alliées du nord de la France ; Midway (2019) de Roland Emmerich, remake du film éponyme de 1976 ; et USS Greyhound - La bataille de l'Atlantique (2020) d'Aaron Schneider, qui racontait l'histoire d'un capitaine de mer pendant la bataille de l'Atlantique. Le drame de guerre 1917 (2019) de Sam Mendes, nommé dix fois aux Oscars, qui racontait le voyage de deux soldats pour sauver une unité se dirigeant vers une embuscade ennemie, était un régal visuel, soutenu par une cinématographie entêtante qui rendait le temps et l'espace présents, grâce à de longs plans.

 

Films de guerre russes, polonais, français et allemands à partir des années 1990

Le réalisateur Nikita Mikhalkov a remporté un Oscar pour Soleil trompeur (1994), un drame poétiquement mélancolique qui se déroulait pendant les purges staliniennes, avant de prendre un virage inattendu, vers le pathos de guerre spectaculaire, dans les suites qu’il lui donna : L'Exode - Soleil trompeur 2 (2010) et Burnt by the Sun 2 : Citadel (2011). Il a été suivi par Sergey Bodrov, avec Le Prisonnier du Caucase (1996), un film intimiste dans lequel un montagnard reclus capturait deux soldats dans sa maison, pour tenter de les échanger contre son fils emprisonné. Le film d'action, The War (2002), se déroulait pendant la guerre de Tchétchénie, Le 9ème Escadron (2005) se concentrait sur la guerre soviéto-afghane, Le Coucou (2002) racontait l'histoire de deux soldats en fuite, qui se réfugiaient chez une jeune femme de Laponie à la fin de la Seconde Guerre mondiale, et L'Amiral (2008) revenait sur la guerre civile russe. D'autres événements de la Seconde Guerre mondiale ont servi de sujets à Leningrad (2007), Battle for Honor (2010), Résistance (2015), Panfilov’s Twenty Eight (2016), T-34, machine de guerre (2018) et Unkown Battle (2019), entre autres, dont la plupart reposaient essentiellement sur une action parfaitement décrite.

Le film primé Europa Europa (1990), qui traitait du destin d'un jeune homme juif entraîné dans les événements de la Seconde Guerre mondiale, a fait connaître la réalisatrice polonaise Agnieszka Holland, qui reviendrait à cette période dans Sous la ville (2011), sur un groupe de Juifs se cachant des nazis dans les égouts d'une ville. Andrzej Wajda est resté une figure majeure du cinéma de guerre polonais, après le biographique Korczak (1990) et le drame psychologique La Semaine sainte (1995), avec le très personnel Katyn (2007), qui dépeignait le massacre d'officiers polonais par la police secrète soviétique en 1940. Parmi les autres films polonais se déroulant pendant la Seconde Guerre mondiale, citons Joanna (2010), Stones for the Rampart (2014), L'Insurrection de Varsovie (2014), Insurrection (2014) et Hatred (2016), sur le nettoyage ethnique du peuple polonais par les nationalistes ukrainiens.

La France a produit Indochine (1992), un drame de guerre romantique qui se déroulait dans les années 1930, lorsque le Vietnam était une colonie française. Dix ans plus tard, Le Pianiste (2002), une coproduction entre la France, l'Allemagne, la Pologne et d'autres pays, réalisée par Roman Polanski, trois fois oscarisé, traitait du destin d'un musicien juif dans la Pologne occupée par les nazis, et du ghetto de Varsovie. Le film français Un long dimanche de fiançailles (2004), dont l'action se déroulait pendant la Première Guerre mondiale, a également été salué par la critique internationale, tout comme Joyeux Noël (2005), qui évoquait la situation dans les tranchées la veille de Noël 1914. La Seconde Guerre mondiale a été revisitée dans les films français Les Femmes de l'ombre (2008), La Rafle (2010) et Un sac de billes (2017), entre autres. L'Allemagne a produit Stalingrad (1993), qui abordait la célèbre bataille de la ville soviétique, du point de vue d'un officier allemand et de son peloton en difficultés, et Aussi loin que mes pas me portent (2001), qui se déroulait également sur le front de l'Est, tandis que La Chute (2004) était une sensation très appréciée qui dépeignait les derniers jours d'Adolf Hitler dans sa cachette dans un bunker de Berlin. Autres succès, Cours sans te retourner (2013), un film sur un réfugié juif de neuf ans, et The Captain - L'Usurpateur (2017), un film sur un soldat qui se fait passer pour un officier et tombe lentement dans un trip de pouvoir alcoolisé.

 

Films de guerre à partir des années 1990, en provenance d'autres pays européens

Le film espagnol, Libertarias (1996), a dépeint de manière réaliste la guerre civile espagnole du point de vue du mouvement révolutionnaire des femmes, et Land and Freedom (1995), Balada Triste (2010) et Lettre à Franco (2019) se déroulaient à la même époque. En revanche, le drame de guerre Rescue Under Fire (2017) se concentrait sur les troupes espagnoles combattant en Afghanistan. En Italie, le plus grand succès a été la comédie-guerre La Vie est belle (1997), récompensée par trois Oscars, qui racontait l'histoire d'un serveur juif, faisant croire à son jeune fils que leur séjour dans un camp de concentration faisait en réalité partie d'une pièce de théâtre organisée pour son anniversaire. Malena (2000) a également été un succès, traitant du sort d'une jeune veuve de guerre dans l'Italie occupée et d'un adolescent qui devenait obsédé par sa beauté. La Hongrie a produit un certain nombre de films de guerre à succès, comme Etre sans destin (2005) et Le Grand cahier (2013), mais le plus acclamé est de loin Le Fils de Saul (2015), primé aux Oscars et formellement inventif, qui dépeignait les horreurs de la Shoah, du point de vue d'un prisonnier juif qui tentait d'enterrer le corps d'un adolescent dans un camp de concentration.

Suivant le modèle de Who's That Soldier ? (1987), au début des années 1990, la République tchèque a produit d'autres comédies centrées sur les membres du service militaire obligatoire, comme The Tank Battalion (1991) et The Black Barons (1992). Plus tard, le drame de guerre sur les aviateurs tchécoslovaques au service de la Royal Air Force britannique, Dark Blue World (2001), et Tobruk (2008), qui portait sur les soldats tchécoslovaques ayant combattu dans le désert libyen pendant la Seconde Guerre mondiale, ont été très bien accueillis. Plusieurs films tchèques ont traité de l'assassinat du protecteur du Reich, Reinhard Heydrich, et des représailles nazies qui s’en sont suivies, notamment Protector (2009), Lidice (2011) et Opération Anthropoid (2016), une coproduction avec le Royaume-Uni et la France. Autre film à succès international, The Painted Bird (2019), qui dépeignait l'état de la société affectée par la Seconde Guerre mondiale, avec, en toile de fond, l'histoire du voyage harassant d'un jeune garçon en Europe de l'Est.

Parmi les succès danois, citons le drame relationnel Brothers (2004), qui tournait autour du traumatisme que l'un de ses protagonistes ramenait chez lui, après son retour de captivité en Afghanistan, et le drame de guerre Les Oubliés (2015), centré sur un événement survenu à la fin de la Seconde Guerre mondiale, lorsque l'armée danoise a forcé des prisonniers allemands à retirer les mines terrestres de la côte danoise. Le film norvégien Into the White (2012), un film de guerre aérien, coproduit avec la Suède, a été un succès. Underground (1995) du réalisateur serbe Emir Kusturica, une fresque de guerre du peuple yougoslave, a reçu un accueil considérable, tout comme No Man's Land (2001) de Danis Tanovic, récompensé par un Oscar, une histoire satirique de plusieurs soldats ennemis et d'une mine terrestre de la guerre de Bosnie, et Black Book (2006), de Paul Verhoeven, un film néerlandais dont l'héroïne, résistante juive, est chargée d'infiltrer les commandants de la Gestapo. Dans le cadre d'une vaste coproduction internationale, Steven Soderbergh a réalisé deux films, Che - 1ère partie : L'Argentin (2008) et Che - 2ème partie : Guerilla (2008), consacrés à la révolution cubaine, à la figure du célèbre révolutionnaire et à sa campagne de guérilla en Bolivie.

 

Séries télévisées sur la guerre

Dans les années 1950, deux des séries américaines les plus populaires en temps de guerre ont été Navy Log (1955-1958), qui traitait des histoires de la marine américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, et The Silent Service (1957-1958), qui décrivaitt la vie des membres d'un équipage de sous-marin. Dans les années 1960, ces séries ont été suivies par celles décrivant les luttes des soldats combattant dans diverses régions d'Europe pendant la Seconde Guerre mondiale : The Gallant Men (1962-1963), Combat ! (1962-1967) et la série aéroportée Twelve O'Clock High (1964-1967), tandis que les séries de guerre comiques et les feuilletons comme McHale's Navy (1962-1966), Papa Schultz (1965-1971) et la série britannique Dad's Army (1968-1977) commençaient également à s'imposer. Dans les années 1970, le feuilleton de guerre M*A*S*H (1972-1983) est devenu un phénomène, suivant les histoires d'un hôpital militaire mobile pendant la guerre de Corée. Les séries dramatiques de guerre Les Têtes brûlées (1976-1978) et la série britannique Wings (1977-1978), sur un pilote combattant pendant la Première Guerre mondiale, ont également été populaires. Dans les années 1980, les émissions dignes d'être mentionnées comprennent, par exemple, la mini-série en sept parties The Winds of War (1983), ainsi que deux séries traitant de la guerre du Vietnam : L'Enfer du devoir (1987-1990) et China Beach (1988-1991).

La série en dix parties, Frères d’armes (2001), est devenue un événement exceptionnel, avec sa description réaliste du destin d'une unité d'élite de l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, établissant de nouveaux critères pour la qualité de la production télévisée. Elle a été suivie par The Unit : Commando d'élite (2006-2009), la mini-série Generation Kill (2008), qui se déroulait dans les premiers jours de l'invasion américaine de l'Irak, et la série en dix parties Band of Brothers : L’Enfer du Pacifique (2010), qui couvrait les événements ayant suivi l'attaque de Pearl Harbor. La croissance subséquente de la production VOD à la télévision et sur Internet a donné lieu à des séries telles que Our Girl (2014-2020), Six (2017-2018), SEAL Team (depuis 2017), Das Boot (depuis 2018), Catch-22 (2019) et The Liberator (2020).

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