Road movie - Genres

Caractéristiques du road-movie

Le terme "road-movie" désigne un genre fictionnel défini par le motif du voyage, au cours duquel les protagonistes se déplacent sur une longue distance, généralement dans un moyen de transport, le plus souvent motorisé. Contrairement à de nombreux autres films, le voyage n'est pas un élément thématique secondaire, mais il en est le point central. Il est également lié au motif de la découverte de paysages et de lieux divers, qui peuvent fonctionner comme un portrait socio-critique, culturel ou historique du pays où se déroule l'action. Parmi les autres thèmes caractéristiques, citons l'accent mis sur la culture automobile et la fétichisation des voitures et des motos, la liberté, ainsi qu'une forme de rébellion et de découverte de soi. Les protagonistes des road-movies se mettent en route pour des raisons diverses, et leur motivation n'est pas nécessairement d'atteindre une destination particulière. Il s'agit souvent, par exemple, d'individus provocateurs et frustrés, isolés du reste de la société, dont le comportement et les actions les définissent clairement en opposition au monde des normes sociales conservatrices établies. Par conséquent, les road-movies s'attachent généralement à décrire leurs conflits intérieurs, leurs sentiments et les changements qui se produisent au cours de leur voyage, plutôt que de s'intéresser à l'intrigue. Il en résulte, notamment, que le récit de la plupart des road-movies a une structure sinueuse, basée sur une superposition progressive d'histoires épisodiques interconnectées.

Ce genre est le plus souvent associé à la culture américaine et à l'esthétique des voitures américaines, des autoroutes, des stations-service, des restaurants et des diners, des motels, ainsi qu'au paysage sans fin composé de routes et de paysages naturels qui soulignent le motif du détachement de la société et des conventions du monde civilisé. Ces motifs sont devenus iconiques surtout dans la seconde moitié des années 1960, lorsque le genre du road-movie est né en tant que catégorie à part entière. Cependant, les films mettant en scène des héros sur la route, dont le thème est le voyage et les moyens de transport, existaient déjà bien avant cela. En outre, le road-movie est souvent mélangé à d'autres genres, le plus souvent à des drames, des comédies, des westerns, des thrillers et des films d'action, criminels ou romantiques. Il peut également inclure divers sous-genres, comme les films de motards, les films sur des criminels (souvent mariés ou en couple) fuyant la loi, ou d'autres films répondant à certaines spécificités essentielles du genre, racontant l'histoire d'individus faisant de longues randonnées à travers le pays.

Les premiers éléments du road-movie au cinéma

L'intérêt pour la mise en scène de différents types de voyages ou de moyens de transport en action, accompagne le cinéma depuis ses débuts, car, en tant que succession d'images en mouvement, un film exprime une fascination pour le mouvement. Des courts métrages tels que L'Arrivée d'un train à la Ciotat (1895), ou How It Feels to Be Run Over (1900), qui se terminait lorsqu’un chariot automobile en mouvement percutait la caméra, reposaient déjà sur cette fascination. Ces thèmes triviaux ont été complétés plus tard par des intrigues simples - par exemple, le film de quatre minutes, A Romance of the Rail (1903), traitait non seulement d'un voyage en train, mais aussi de l'histoire d'un couple d'amoureux qui se mariait pendant le voyage. Au cours des décennies suivantes, le motif du voyage a souvent été associé aux westerns, dans lesquels, outre les trains, les chevaux et les diligences occupaient une place importante. Parmi les westerns traitant largement du voyage, on peut citer La Caravane vers l'Ouest (1923) ou La Piste des géants (1930).

Les premiers véritables prototypes de road-movies n'ont toutefois pas commencé à apparaître avant les années 1930, ainsi dans la comédie romantique de Frank Capra, New York-Miami (1934), qui a remporté cinq Oscars et dont la protagoniste, en fuite de son père millionnaire et accompagnée d'un modeste journaliste, rencontrait un groupe de personnes ordinaires, aux prises avec la Dépression au cours d'un voyage en bus ; ainsi que dans le drame policier J'ai le droit de vivre (1937) de Fritz Lang, qui racontait l'histoire de jeunes amoureux en fuite, devant faire face à de fausses accusations. Par exemple, Les Aventures d'Huckleberry Finn (1939), de Richard Thorp, était un film d'aventure, avec un fort thème d'errance, centré sur le destin de deux héros, un garçon fuyant son père et un esclave noir échappant à la captivité. La Chevauchée fantastique (1939) de John Ford, un western mettant en scène un groupe de personnes voyageant en diligence à travers le dangereux territoire apache, a été nommé pour sept Oscars, et Le Magicien d'Oz (1939) de Victor Fleming, qui racontait les aventures d'une jeune fille voyageant dans un pays imaginaire où elle était emportée par une tornade, a obtenu deux de ses six nominations.

 

Les précurseurs du road-movie dans les années 40 et 50

Dans les années 40, les films ayant pour cadre des voyages en voiture comprenaient, entre autres, Les Raisins de la colère (1940) de John Ford, récompensé par deux Oscars, mettant en scène une famille de fermiers frappée par une catastrophe naturelle et obligée de chercher fortune dans l'Ouest, et le satirique Les Voyages de Sullivan (1941) de Preston Sturges, dans lequel le réalisateur lui-même se déguisait en clochard pour trouver l'inspiration auprès des gens du peuple, et la série de sept comédies musicales de voyage commencée avec En route pour Singapour (1940) et En route pour Zanzibar (1941). Le voyage était également un élément majeur de plusieurs films noirs, notamment Une femme dangereuse (1940), Détour (1945), Desperate (1947), Les Amants de la nuit (1948), Le Démon des armes (1950), Le Voyage de la peur (1953), Hold Up (1957) et Thunder Road (1958). L'après-guerre marquait, en outre, un nouveau chapitre dans le cinéma automobile, grâce à l'essor de l'industrie automobile et à l'accent mis sur la jeune génération. Un représentant typique, à cet égard, est L'Équipée sauvage (1953), qui racontait l'histoire du chef d'un grand gang de motards, tombant amoureux de la fille d'un policier hostile.

Parmi les autres précurseurs influents du road-movie, citons La Prisonnière du désert (1956), un western de John Ford sur un officier coriace qui partait à la recherche de sa nièce enlevée par des Indiens, La Chaîne (1958) de Stanley Kramer, nommé neuf fois aux Oscars, qui décrivait le destin de deux évadés forcés de surmonter les préjugés raciaux dans leur fuite, et le thriller La Mort aux trousses (1959) d'Alfred Hitchcock, dont le héros était victime de l'espionnage des services secrets alors qu'il se rendait dans divers endroits des États-Unis. Il y a également eu plusieurs comédies ayant pour thème le voyage, telles que La Roulotte du plaisir (1953), sur un mari et une femme vivant dans une caravane, et Arrêt d'autobus (1956), sur la tournée d'un jeune chanteur. Une influence majeure sur les films ultérieurs, et sur le genre du road-movie dans son ensemble, a été le roman de critique sociale "Sur la Route" de Jack Kerouac. Publié en 1957, il présentait la route et les voyages à travers les États-Unis comme synonymes de liberté, de défi rebelle et de découverte de nouveaux lieux et de nouvelles personnes.

 

Le début de l'âge d'or des road-movies dans les années 1960

La première moitié des années 1960 a vu des films tels que Un Monde fou fou fou fou (1963), une comédie policière sur une chasse au trésor de 200 miles, nommée pour six Oscars, et La Grande course autour du monde (1965), film nommé pour cinq Oscars. De l'autre côté du spectre, on pourrait citer, par exemple, les films dit de « sex-exploitation » Motorpsycho ! (1965) et Faster, Pussycat ! Kill ! Kill ! (1965). Le tournant, cependant, se situait dans la seconde moitié de cette décennie, lorsque l'effondrement du système des studios a ouvert la porte à l'ère du Nouvel Hollywood, définie par l'émergence d'une nouvelle génération de cinéastes qui ont revigoré le cinéma, avec une nouvelle énergie créative débordante et une passion pour les valeurs artistiques du film. Le road-movie devenait ainsi un genre à part entière, avec deux œuvres révolutionnaires : Bonnie et Clyde (1967) d'Arthur Penn, nommé dix fois aux Oscars, inspiré d'un couple réel d'amants et de criminels devenus célèbres, symboles de la lutte contre le système pendant la Dépression, et Easy Rider (1969) de Dennis Hopper, nommé deux fois aux Oscars, qui, grâce aux pérégrinations en roue libre, alimentées par la drogue et le rock, d'un couple de motards rebelles, entrait dans l'histoire comme une pierre angulaire du genre du road-movie, et son représentant le plus typique. En revanche, Les Anges sauvages (1966) et Les Anges diaboliques (1967) seraient des représentants beaucoup moins marquants des films de motards.

Alors que Bonnie et Clyde s'inscrivait principalement dans la tradition du film de gangsters, et formait une frontière imaginaire entre le Hollywood classique et le Nouvel Hollywood, Easy Rider s'inspirait principalement de la scène indépendante, de l'atmosphère sociale de l'époque et du modernisme européen. Les deux films ont enrichi le cinéma d'approches créatives modernes, tant sur le plan stylistique qu'idéologique, et ont préfiguré l'évolution du cinéma américain pour les décennies à venir. Tout comme leurs héros se distançaient des conventions de la société, les cinéastes se définissaient en opposition aux règles établies des studios et des pratiques cinématographiques d'Hollywood. Le genre du road-movie a également bénéficié des développements technologiques, qui ont permis d'utiliser des caméras plus petites, de les monter directement sur des véhicules et de réaliser facilement des plans uniques qui ne nécessitaient pas de grandes équipes ou de ressources de studio. Le tournage en extérieur se généralisait, la musique devenait un élément important des road-movies, et la tendance à réviser les genres populaires et leurs modèles constituait également un aspect important. Les road-movies de la fin des années 1960 comprenaient des films tels que Les Gens de la pluie (1969) de Francis Ford Coppola, dans lequel l'héroïne enceinte tentait d'échapper au poids de ses propres responsabilités, en s'éloignant en voiture, en secret, de son marie, et le film romantique britannique Voyage à deux (1967) de Stanley Donen.

 

Le boom des road-movies dans les années 1970

Le genre du road-movie a connu un essor important dans les années 1970, lorsqu'il a essentiellement pris la place du western classique, qui était en déclin depuis la décennie précédente. Les road-movies ont été adoptés par de nombreux réalisateurs du Nouvel Hollywood, tels que Monte Hellman (Macadam à deux voies, 1971), Richard C. Sarafian (1971 : Point limite zéro), Hal Ashby (1973 : La Dernière Corvée), Jerry Schatzberg (1973 : L'Epouvantail), Terrence Malick (1973 : La Balade sauvage), Sam Peckinpah (1974 : Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia ; 1978 : Le Convoi) et Martin Scorsese (1972 : Bertha Boxcar ; 1974 : Alice n'est plus ici). L'un des cinéastes les plus en vue, à l'époque, est le jeune Steven Spielberg, qui s'aventurait dans le genre du road-movie avec son court métrage Amblin' (1968) et le téléfilm Duel (1971), puis faisait ses débuts au cinéma avec Sugarland Express (1974), qui racontait l'histoire d'un couple fuyant la persécution constante de la police, motivé par le désir de sauver leur fils de l'adoption par des étrangers. Le réalisateur William Friedkin réalisait Le Convoi de la peur (1977), un remake d'un célèbre thriller français sur des camionneurs engagés pour transporter un dangereux chargement de nitroglycérine à travers la jungle d'Amérique latine.

Cinq pièces faciles (1970), de Bob Rafelson, était en lice pour quatre Oscars, La Barbe à papa (1973), de Peter Bogdanovich, était nommé pour le même nombre de statuettes, avec son histoire comique se déroulant dans les années 30, et mettant en scène un vendeur de bibles véreux accompagné dans ses voyages, par une orpheline de neuf ans, et Harry et Tonto (1974), sur un septuagénaire qui traversait l'Amérique avec son chat, recevait un Oscar. Les road-movies ont pris de nombreuses formes et ont été combinés avec une variété de genres, comme les films d'action de course (La Course à la mort de l'an 2000 (1975), Cannonball et Chewing Gum Rallye, tous deux en 1976), les films de gangsters (Nous sommes tous des voleurs, en 1974), les comédies policières (Le Canardeur, 1974), les comédies de beauf (Tu fais pas le poids shérif !, 1977) et les films de marionnettes familiales (Les Muppets : Ça, c'est du cinéma, 1979).

 

Road-movies classiques et non conventionnels dans les années 1980

L'un des road-movies les plus marquants des années 1980 a été Rain Man (1988) de Barry Levinson, récompensé par quatre Oscars, qui racontait le parcours d'un jeune entrepreneur intrigant, et de son frère aîné autiste, qui ne se connaissaient pas jusque-là. Honkytonk Man (1982) de Clint Eastwood, mettait en scène un vagabond traversant l'Amérique, accompagné de son neveu. Parmi les autres films qui reprennaient les attributs du road-movie classique, citons des comédies telles que L'Equipée du Cannonball (1981) et sa suite Cannon Ball 2 (1984), sur une course illégale à travers les États-Unis, Bonjour les vacances (1983), dont les protagonistes étaient les membres d'une famille embarquée dans un voyage vers un parc d'attractions éloigné, et Un ticket pour deux (1987), dans lequel le destin obligeait un couple de voyageurs à passer plusieurs jours ensemble, dans différents moyens de transport. Dans la comédie Bustin' Loose (1981), un criminel condamné était contraint de transporter un groupe d'enfants et leur gouvernante, vers une autre ville dans un vieux bus, tandis que la comédie Une bringue d'enfer (1985) traitait de l'histoire de cinq jeunes diplômés qui décidaient de passer un dernier week-end à voyager ensemble, avant l’engagement de certains d'entre eux au Vietnam ; et dans la comédie Lost in America (1985), aux critiques amères, un couple marié commençait à perdre ses illusions, après avoir décidé de mettre leur existence actuelle derrière eux et de passer le reste de leur vie dans un camping-car. La première réalisation de Tim Burton, Pee Wee Big Adventure (1985), et la comédie romantique de Rob Reiner, Garçon choc pour nana chic (1985), ont également conquis de nombreux fans.

D'autres films, cependant, ont adopté une approche un peu plus radicale et innovante de certains aspects du genre, notamment Mad Max 2 de George Miller (1982), dont l'histoire, pleine d'action, se déroulait dans un monde post-apocalyptique où des bandes de motards et autres bandes motorisées se disputaient des réserves de carburant. The Blues Brothers (1980), de John Landis, combinait un road-movie avec une comédie musicale d'action ; Aux frontières de l'aube (1987), de Kathryn Bigelow, fusionnait un road-movie avec un western d'horreur de vampires, et le film d’horreur Hitcher (1986), de Robert Harmon, créait une œuvre de suspense. Parmi les road-movies non traditionnels, citons également la comédie de thriller amoureux Dangereuse sous tous rapports (1986) de Jonathan Demme, le drame musical Crossroads (1986) de Walter Hill, la comédie policière Midnight Run (1988) de Martin Brest, et l'odyssée indienne britannique Powwow Highway (1989). D'autres grands réalisateurs ont contribué au genre du road-movie, comme Jim Jarmusch avec Stranger Than Paradise (1984), et Gus Van Sant, dont le film policier Drugstore Cowboy (1989) mettait en scène un toxicomane, talonné par la police, qui voyageait de ville en ville avec sa femme et d'autres personnes, tout en dévalisant des pharmacies.

 

Les road-movies européens jusqu'à la fin des années 1980

Bien que l'histoire du road-movie soit principalement liée aux États-Unis, les techniques et les attributs du genre ont été adoptés avec succès par plusieurs cinéastes européens, qui les ont travaillés dans les limites des réalités européennes et les ont enrichis de leurs propres éléments stylistiques. Certaines de leurs œuvres, en particulier celles des années 1950 et 1960, sont devenues des modèles et des sources d'inspiration pour de nombreux réalisateurs américains, généralement ceux de l'ère du Nouvel Hollywood - par exemple, les films Bonnie et Clyde et Easy Rider mentionnés plus haut, se sont inspirés de la Nouvelle Vague française. Le réalisateur le plus influent à cet égard a été Jean-Luc Godard et son film À bout de souffle (1960), qui racontait la rébellion, contre le système, d'un charmant délinquant français et de sa maîtresse américaine, aspirant à la liberté, ainsi que ses road-movies ultérieurs Pierrot le fou (1965) et Week-end (1967). Une autre production française digne de mention, a été Le Salaire de la peur d'Henri-Georges Clouzot (1953), qui a servi de base au remake américain susmentionné, réalisé par William Friedkin. Dans les décennies suivantes, le controversé Les Valseuses (1974), de Bertrand Blier et Sans toit ni loi (1985), d'Agnès Varda, sur une jeune femme sans abri, sont également devenus des road-movies populaires en France.

Les errances existentielles dans diverses régions d'Europe sont également devenues un thème en Italie, comme en ont témoigné La Strada (1954) de Federico Fellini et Voyage en Italie (1954) de Roberto Rossellini, ainsi qu'en Suède, avec, par exemple, Les Fraises sauvages (1957) d'Ingmar Bergman, qui racontait les pérégrinations d'un professeur vieillissant, qui prenait divers auto-stoppeurs en chemin. En Allemagne de l'Ouest, Wim Wenders est devenu une icône du genre road-movie, dans les années 1970, réalisant une trilogie composée d'Alice dans les villes (1974), Faux mouvement (1975) et Au fil du temps (1976), avant d’obtenir, plus tard, un succès international avec le film primé Paris, Texas (1984). Il convient également de mentionner le film tragicomique yougoslave, de Slobodan Šijan, Qui chante là -bas ? (1980), qui racontait l'histoire d'un étrange groupe de personnes se rendant en bus à Belgrade. En Grèce, Theodoros Angelopoulos a réalisé la coproduction Paysage dans le brouillard (1988), qui décrivait le destin d’un frère et d’une soeur voyageant de la Grèce vers l'Allemagne à la recherche de leur père présumé ; et le réalisateur finlandais, Aki Kaurismäki, a réalisé le road-movie Leningrad Cowboys Go America (1989), sur le voyage d'un groupe de musique russe fictif à travers les États-Unis.

 

Les road-movies révisionnistes et autres des années 1990

Le début des années 1990 a été encore relativement prolifique, en termes de road-movies, mais leur nombre a commencé à diminuer au cours de la décennie, au profit d'autres genres. Nombre de ces films ont poursuivi l'effort de révision des règles établies, tandis que l'approche des principaux protagonistes, en particulier, a changé par rapport aux décennies précédentes. Jusque-là, les héros des road-movies étaient principalement des hommes et des couples hétérosexuels, mais dans Thelma et Louise (1991), de Ridley Scott, nommé pour six Oscars, par exemple, il s'agissait de deux femmes émancipées. Les femmes sur la route ont également été explorées plus tard dans la comédie Avec ou sans hommes (1995). Dans le drame The Living End (1992), les protagonistes étaient deux hommes homosexuels et séropositifs ; alors que dans le film australien Priscilla, folle du désert (1994), les personnages principaux étaient un groupe de travelos, et dans Extravagances de Julie Newmar (1995) mettait également en scène des travestis, tandis que le film, fait de conversations, Get on the Bus (1996) de Spike Lee racontait l'histoire d'un groupe disparate, composé d'hommes noirs, qui prenaient un bus pour se rendre dans la capitale nationale pour une marche de protestation en faveur de la paix. Parallèlement, le road-movie Phoenix, Arizona (1998) devenait le premier film, réalisé et produit par des Amérindiens, à atteindre une renommée internationale.

D'autre part, le thème des amants criminels fuyant la loi, a été revisité dans Kalifornia (1993) de Dominic Sena, et True Romance (1993) de Tony Scott, alors que Tueurs nés (1994) d'Oliver Stone, thématisait le défi radical à la société. Le genre du road-movie a été revisité à plusieurs reprises par des réalisateurs tels que David Lynch (Sailor et Lula, 1990, et Une histoire vraie, 1999) et Gus Van Sant (My Own Private Idaho, 1991, et Even Cowgirls Get the Blues, 1993). Dans la comédie dramatique Coupe de Ville (1990), trois frères se lançaient dans un voyage à travers le pays pour livrer la Cadillac de ses rêves à leur mère pour son anniversaire ; Josh and S.A.M. (1993) décrivait le destin de deux frères fugueurs, et Un monde parfait (1993) de Clint Eastwood avait pour personnage principal un petit garçon. Dans Las Vegas parano (1998), le réalisateur Terry Gilliam enrichissait les voyages des personnages principaux à travers l'Amérique, par leurs expériences avec les drogues et les hallucinations. Le monde des films néo-noirs a été exploré par les films Red Rock West (1992) et U-Turn, ici commence l'enfer (1997), dont l'intrigue était similaire. Le genre du road-movie comprenait également des comédies, comme Dumb and Dumber (1994), Flirter avec les embrouilles (1996), Libres comme le vent (1999) et le film d'animation Beavis et Butt-Head se font l'Amérique (1996).

 

Road-movies après 2000

Les road-movies ont continué à évoluer au cours du nouveau millénaire, et s'ils ne sont certainement pas devenus un genre populaire, ils ont d'autant plus impressionné dans de nombreux cas. Leur production s'est largement développée dans deux directions : les films qui utilisaient le cadre schématique du road-movie comme base pour travailler avec d'autres genres, ont percé dans le grand public, tandis que les road-movies plus purement basés sur le genre, mettant principalement l'accent sur les aspects sociaux, se sont surtout imposés dans les festivals de cinéma et ont souvent été primés. Deux films dignes d'intérêt à cet égard ont été : Et... ta mère aussi ! d'Alfonso Cuarón (2001), et Carnets de voyage de Walter Salles (2004), qui ont également participé à la compétition pour les Oscars. La comédie musicale Presque célèbre (2000), qui racontait l'histoire d'un jeune journaliste en herbe, de 15 ans, accompagnant un groupe de rock en tournée, a été nommé pour quatre Oscars, et Little Miss Sunshine (2006), qui racontait l'histoire d'une famille excentrique se rendant à un concours de beauté pour enfants, était en lice pour le même nombre de statuettes. Les road-movies Monsieur Schmidt (2002), Sideways (2004) et Nebraska (2013), réalisés par Alexander Payne, ont également récolté plusieurs nominations aux Oscars. Le film Green Book : Sur les routes du sud (2018) de Peter Farrelly, dont l'histoire relatait l'amitié entre un pianiste noir et son chauffeur blanc, lors d'une tournée des États du sud des États-Unis dans les années 1960, a connu un succès certain, remportant trois Oscars sur cinq, tandis que le docu-fiction Nomadland (2020), de Chloé Zhao, a obtenu six nominations pour sa description du destin d'une femme vivant dans un camping-car et naviguant dans les communautés nomades modernes. Parmi les autres road-movies qui ont fait sensation dans les festivals internationaux figuraient notamment Brown Bunny (2003) de Vincent Gallo, Transamerica (2005) de Duncan Tucker, Sur la route (2012) de Walter Salles, Captain Fantastic (2016) de Matt Ross et American Honey (2016) d'Andrea Arnold.

Dans la sphère grand public, le genre du road-movie a fusionné principalement avec la comédie, par exemple, Jay & Bob contre-attaquent (2001), Borat, leçons culturelles sur l'Amérique au profit glorieuse nation Kazakhstan (2006), Bande de sauvages (2007), Les Miller, une famille en herbe (2013) et Arnaque à la carte (2013), ainsi que les comédies pour adolescents Road Trip (2000), Sex Trip (2004) et Sex Drive (2008). Il y a également eu un certain nombre de comédies inspirées des road-movies des décennies passées, comme Date limite (2010) et Vive les vacances (2015). Les road-movies ont également pris la forme de thrillers (Une virée en enfer en 2001, Dark Country en 2009), de westerns (3h10 pour Yuma en 2007, Hostiles en 2017), de films de super-héros de science-fiction (Logan en 2017) et respectivement, de films d'action, notamment le retour aux sources du réalisateur George Miller dans Mad Max : Fury Road (2015), très applaudi et riche en adrénaline.

Dans la comédie dramatique Broken Flowers (2005) de Jim Jarmusch, le protagoniste rendait visite à ses ex-amantes, à la recherche de son fils ; dans Away We Go (2009) de Sam Mendes, un couple qui attendait un enfant, cherchait un endroit approprié pour s'installer définitivement ; et il y a eu également eu plusieurs films sur des évasions dans la nature. Quitter la civilisation, comme une forme de défi rebelle à la société de consommation, était le sujet de Into the Wild (2007), tandis que dans Wild (2014), le pèlerinage à pied du protagoniste, à travers plusieurs États, avait une fonction thérapeutique. Parmi les autres films à noter, citons la comédie indépendante, représentative du mouvement cinématographique dit « mumblecore », The Puffy Chair (2005) et les films Interstate 60 (2002), The Lucky Ones (2008) et Everybody's Fine (2009). Parmi les productions asiatiques qui ont marqué l'histoire des road-movies, on peut citer le japonais L'Eté de Kikujiro (1999), les films chinois Lost on Journey (2010) et Kaili Blues (2015), le film indien On ne vit qu'une seule fois (2011), et le film sud-coréen A Taxi Driver (2017). Il faut également mentionner les films iraniens Taxi Téhéran (2015) et Trois visages (2018), que leur réalisateur Jafar Panahi a tourné depuis l'intérieur de sa propre voiture.

 

Les road-movies européens depuis les années 1990

Parmi les road-movies les plus marquants des pays européens, nombreux sont ceux qui ont abordé des questions sociales à travers l'exemple de leurs protagonistes, gagnant ainsi une renommée internationale dans les festivals de cinéma. Il s'agissait souvent de films traitant, par exemple, du monde des immigrants qui traversaient des frontières personnelles et géographiques, afin de trouver le bonheur et un meilleur avenir pour eux-mêmes, comme c'est le cas du drame suédois-danois Lilya 4-Ever (2002), du film britannique In This World (2002) et du film français Eden à l'ouest (2009). D'autres films français méritent d'être mentionnés, comme Tango (1993), Transylvania (2006), Mammuth (2010) et Microbe et Gasoil (2015).

Le réalisateur allemand, Wim Wenders, a poursuivi sa carrière de road-movie avec le multigenre Jusqu'au bout du monde (1991), l'humoristique Lisbonne story (1994) et le western Don't Come Knocking (2005), coproduit avec les États-Unis. Plus tard, les road-movies Friendship ! (2010), Goodbye Berlin (2016) et 25 km/h (2018) ont également trouvé le succès en Allemagne. En Espagne, en revanche, les films les plus fréquents combinaient le motif du voyage avec la comédie sexuelle (Airbag, 1997) ou étaient des road-movies axés sur la critique sociale et les protagonistes féminins (Fugitives, 2000), bien que la comédie dramatique Living is Easy with Eyes Closed (2013), qui se déroulait dans l'Espagne franquiste des années 1960, ait mérité également d'être mentionnée. Le cinéma tchèque a suivi les traditions de genre des road-movies, d'abord dans les années 1990 avec The Ride (1994), puis avec Some Secrets (2002), ROMing (2007), Dolls (2007), Winter Flies (2018), Patrimony (2018) et Old-Timers (2019).

En Italie, les road-movies les plus réussis ont été Journal intime (1993), Vers la révolution en 2CV (2001), L'Échappée belle (2017) et Folles de joie (2016). Parmi les exemples de road-movies nordiques, citons les islandais Les Enfants de la nature (1991) et Cold Fever (1995), le finlandais Tiens ton foulard, Tatiana (1994), le norvégien Aberdeen (2000), le danois Hush Little Baby (2009), la coproduction dano-suédoise Oldboys (2009) et la coproduction norvégienne Before Snowfall (2013), qui racontait le voyage d'un jeune homme kurde pour retrouver sa sœur, ayant terni l'honneur de sa famille. The Red Colored Grey Truck (2004), qui se déroulait dans les Balkans, pimentait l'intrigue romantique avec le motif de la guerre naissante en Yougoslavie ; le film cynique My Joy (2010) offrait une image cruelle du personnage russe, le road-movie tragicomique The Interpreter (2018), coproduit par la Slovaquie, traitait des réverbérations des traumatismes de la Seconde Guerre mondiale, et le drame autrichien, valant critique sociale, Lillian (2019) suivait la tentative d'une immigrée, russe de rentrer à pied, de New York à son pays natal.

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