Animációs - Műfajok

Az animáció és a film eredete

Az animáció kifejezés olyan folyamatra utal, amely a dolgokban a mozgás látszatát kelti. Ez egy mechanikus eljárás, amelynek során statikus, de egymástól kissé eltérő képkockák gyors egymásutánban vetített sorozatát nézzük, az emberi szem tehetetlensége miatt a folyékony mozgás benyomását keltve. Az animáció az alapja a filmnek, mint olyannak is, amely ugyanezt a hatást használja - az egyes képkockákat olyan sebességgel játszódnak le, hogy az emberi szemnek már nincs esélye érzékelni, és ennek eredményeként az ember az egész sorozatot folyamatos mozgóképként érzékeli.

Az animációs film olyan filmtípus, amely egyedi képkockák készítésével jön létre, amelyeket gyakran egymásra helyeznek, hogy az animáció hatását keltsék. Eredetileg az animációs filmeket kézi rajzok vagy bábok segítségével készítették, de ma már a számítógépes animáció az uralkodó technika ebben a műfajban. Az animációs film műfaja elsősorban a hagyományos játékfilmektől eltérő alkotási módot ír le, ezért az animációs filmek bármely más műfajba sorolhatók - gyakran mesék és dajkamesék vagy kaland- és fantasy filmek, de drámák, sci-fi filmek, vígjátékok és musicalek is lehetnek animáltak.

Az animáció világában áttörést jelentett a stroboszkóp 1832-es feltalálása, amely a mozgás illúzióját keltette, amikor egy forgó képsort keskeny keresztmetszeten keresztül lehet nézni. Hasonlóan forradalmi volt az 1882-ben bevezetett praxinoszkóp, amely először tette lehetővé mozgó képek vetítését képernyőre. Ez volt az előfutára a Thomas Edison által szabadalmaztatott kinetoszkópnak, a mozgóképek megtekintésére szolgáló eszköznek, valamint a Lumière fivérek által 1895-ben feltalált kinematográfnak, amelyből maga a mozi is kialakult. Addig az animációt egyfajta szórakozásként, reklámcélokra és optikai játékok gyártására használták. A játékfilm feltalálása után elhanyagolták egészen 1908-ig, amikor J. Stuart Blackton feltalálta a stop motion animáció technikáját, azaz a fényképfelvételek sorozatának elkészítésével létrehozott animációt.

 

Az amerikai animáció kezdetei

Az Egyesült Államokban már az első világháború előtt is számos fejlett technológiát fejlesztettek ki - például a háttérrajzok mechanikus nyomtatását, amelynek köszönhetően a hátteret nem kellett minden alkalommal újra rajzolni, vagy a mozgó figurák átlátszó celluloidra (ún. ultrafan) való rajzolásának ötletét, amely szintén nagyban megkönnyítette a változatlan háttérrel való munkát. Az animáció fénykora aztán a háború utáni időszakban következett be, amikor a filmszakma kezdett iparrá válni, az egyes szakterületek specializálódtak, és a munkamegosztás lehetővé tette a filmek gyorsabb és gazdaságosabb elkészítését.

Megjelentek az első rajzfilmgyártó stúdiók is. Ebben az időben a filmkészítők független producerek voltak, akik eladták filmjeik jogait a forgalmazóknak, akik aztán a főműsor előtt a mozikban bemutatott rövidfilmek sorozatába illesztették őket. Winsor McCay (Gertie, a dinoszaurusz figura megalkotója) A Lusitania elsüllyedése (1918) című filmjét tartják az első animációs filmnek, amely mintegy tíz perccel meghaladta az addigi összes animációs rövidfilm hosszát.

Az animációs filmek számos technikával készültek, de a rotoscoping technológia bevezetése, amely lehetővé tette, hogy a játékfilm segítségével mezőről mezőre újrarajzolják a karakter körvonalait, alapvető fontosságú volt. Ez lehetővé tette, hogy a filmszereplőket a korábbinál sokkal természetesebb mozgásban rögzítsék. A módszer megalkotója, Max Fleischer alkalmazta a Kifelé a kalmárból című animációs rövidfilmsorozatában, amelyben Koko, a bohóc szerepelt, és amely az 1920-as években végig sikeres volt. Az 1930-as években aztán a filmkészítő a testvérével, Dave-vel közösen alkotta meg Popeye, a tengerész és Miss Betty Boop karaktereit.

 

A Walt Disney és a Warner Bros. első sikerei

1919-től a fiatal Walt Disney az Egyesült Államokban próbált érvényesülni, de több sikertelen rövid animációs ügynökségen át vezető útja csak akkor hozta meg gyümölcsét, amikor bátyjával, Royjal megalapította a Disney Brothers stúdiót, ahol együtt készítettek animációs sorozatokat a forgalmazó Warner Bros. és az MGM számára. Mivel azonban nem rendelkeztek az animációs karakterek (köztük Oswald, a nyúl) jogával, Walt Disney kitalálta saját karakterét, Mickey egeret. Az első két Mickey-film nem volt sikeres, de aztán jött a hangosfilm feltalálása, így a harmadik Mickey egér főszereplésével készült film már hangosfilm lehetett. A film címe Willie gőzhajó (1928) volt, és áttörést jelentett a Disney számára, és a filmanimáció világának élvonalába repítette. A vizuálisan fantáziadús és szeszélyes Felix, a macska sorozat szintén sikeres volt az 1920-as években, de nem élte túl a hangosfilm megjelenését, ahogy a némafilmes korszak legtöbb más animációs karaktere sem.

Az 1930-as években a rövid animációs sorozatok a legtöbb filmműsor általános részévé váltak. A Terrytoons egy népszerű animációs stúdió volt, amelynek leghíresebb karaktere Woody, a harkály volt. A Warner Bros. ezután létrehozta saját animációs stúdióját, amely a Looney Toons sorozatot készítette, amelyben olyan karakterek, mint Tapsi Hapsi, Daffy kacsa és Porky malacka idővel egyre népszerűbbek lettek, ugyanakkor a produkció egy részét megpróbálta a felnőtt közönség felé irányítani. A Mickeyvel, Donald kacsával és Goofyval készült rövidfilmjei által népszerű Disney 1937-ben mutatta be a történelem első animációs játékfilmjét, a Hófehérke és a hét törpét. Ezt a hatalmas sikert aztán az 1940-es években követte, az akkori technikai lehetőségek csúcsát elérve a Pinokkió (1940), Fantázia (1940), Dumbó (1941) és a Bambi (1942). A Fleischer fivérek Disneyre válaszul a Gulliver utazásai (1939) egészestés animációs adaptációjával álltak elő, de nem tudták elérni a Hófehérkéhez hasonló eredményt.  

 

A televízió háború utáni felemelkedése

Az 1940-es években népszerűvé vált egy rövid, pofonegyszerű rajzfilmsorozat, amelynek főszereplői Tom, a macska és Jerry, az egér voltak, akik párbeszéd nélkül, de hanghatásokkal és komikusan erőszakos gegekkel estek egymásnak. A második világháború lefolyásához és következményeihez kapcsolódó időszakban az egész filmipar átalakult (az animációt háborús propagandára használták), a háború után pedig Hollywoodnak is alkalmazkodnia kellett a televízió megjelenéséhez. Számos stúdió ezért áttért a televízió számára készített animációs műsorok gyártására. Az egyetlen stúdió, amely nem engedett, a Disney volt, amely az 1950-es években elkészítette a Hamupipőkét (1950), az Alice Csodaországban (1951), a Pán Pétert (1953), a Susi és Tekergőt (1955) és a Csipkerózsikát (1959).

Az 1960-as évek közepétől kezdve azonban a nagy stúdiók teljesen leállították az új animációs rövidfilmek gyártását, a régiek pedig teljesen a televízió képernyőjére szorultak vissza. Helyette kifejezetten a televízió számára készült animációs sorozattokat gyártottak, mint például a Frédi és Béni, avagy a két kőkorszaki szaki, a Maci Laci és a Scooby-Doo, merre vagy? Walt Disney a 101 kiskutya (1961), A kőbe szúrt kard (1963) és A dzsungel könyve (1967) mellett a tizenhárom Oscar-díjra jelölt Mary Poppins (1964) című musical óriási sikerét hozta, amely az animációt és az élőszereplőket ötvözte. Ezt a módszert szórványosan alkalmazták a filmanimáció kezdeti időszakában (Alice in the Wooly West, 1926), és jóval később (Roger nyúl a pácban,1988).

 

Alkotás felnőtteknek és a Disney hanyatlásaAz 1960-as és 1970-es évek fordulóján, különböző hatásoknak köszönhetően, a felnőtteknek szóló animációs filmek gyártásának erősödése is megfigyelhető volt. Olyan filmek készültek, mint a Beatles-dalokat pszichedelikusan illusztráló Sárga tengeralattjáró (1968) vagy az underground Fritz, a macska (1972), amely a drogok és az alkalmi szex hanyatló erkölcsiségének hangulatát ábrázoló filmje miatt a történelem első animációs filmjeként megkapta az X-besorolást, amelyet korábban szinte kizárólag a pornófilmek kaptak. A Fritz, a macska alkotója, Ralph Bakshi később a Wizards (1977), Tűz és jég (1983) és A Gyűrűk Ura (1978) animációs adaptációja mögött állt.

 A 1970-es években - Walt Disney 1966-ban bekövetkezett halála után - a Disney egy sor viszonylag kevéssé ismert és nem túl sikeres filmet forgalmazott, köztük a Macskarisztokratákat (1970), Robin Hoodot (1973), Micimackót (1977) és A mentőcsapatot (1977). A hanyatlás időszaka aztán az 1980-as években is folytatódott, amikor a Disney kiadta A róka és a kutya (1981), valamint A fekete üst (1985) című filmet, amely hatalmas költségvetésével és alacsony bevétellel új bukási rekordot döntött. A pénzügyi foltozást csak Basil, a híres egér detektív (1986) és Olivér és társai (1988), de különösen A kis hableány (1989) után következett, amely a közönség fogadtatását tekintve a Disney 1940-es évek eleji aranykorára épített, és az 1990-es évek új aranykorát hirdette, amelynek során a Disney a leghíresebb klasszikusai közül néhányat megalkotott.

A Disney konkurenciája az 1980-as években elsősorban a Steven Spielberg által készített, nagy sikerű Őslények országa (1988), valamint számos televíziós sorozat volt, köztük a Matt Groening által 1987-ben készített A Simpson család. 1981-ben elindult az MTV kábelcsatorna, amely számos animációs zenei videót népszerűsített. Az animáció kezdett megjelenni a reklámokban is (néhány akkori gyermekműsor játékreklámként is működött, mint például a Transformers, a G.I. Joe és az Én kicsi pónim), és játékfilmeknél is használták kísérőeszközként. A mozikban a Drágám, a kölykök összementek! (1989) című családi vígjáték előzményeként egy rövid animációs klipet mutattak be Roger nyúl szereplésével, a Tummy Trouble (1989) című filmet, a Pink Floyd: A fal (1982) című musicaljében körülbelül 15 perc animációs jelenet szerepelt, és a számítógépek fejlődésével a számítógépes animációt is elkezdték használni (először széles körben az 1982-es Tron, avagy a számítógép lázadása című filmben).

 

A Disney arany kilencvenes évei és a Pixar uralma

A Disney a kilencvenes években reneszánszát élte, amikor A szépség és a szörnyeteg (1991, a történelem első animációs filmje, amelyet Oscar-díjra jelöltek a legjobb film kategóriában), az Aladdin (1992) és Az oroszlánkirály (1994) egymás után háromszor is kasszarekordot döntött. A későbbi Pocahontas (1995), A Notre Dame-i toronyőr (1996), Herkules (1997), Mulan (1998) és Tarzan (1999) című filmek szintén ebbe az időszakba tartoznak. Az egyetlen kivétel a Mentőcsapat a kenguruk földjén (1990), amely viszont némileg háttérbe szorult, így a Disney ettől kezdve minden folytatását videón és DVD-n adta ki (egészen 2019-ig, a Ralph lezúzza a netet: Rontó Ralph 2. bemutatójáig). A Simpson család sikere hozta el a South Parkot, a Family Guy-t és a Futuramát a televízió világába, és az animációs sorozatok a Cartoon Network kábelcsatornán is nagy boomot élhettek.

A számítógépes animáció a 80-as években kezdett előtérbe kerülni, de csak a 90-es években indult be igazán. 1986-ban Steve Jobs megvásárolta George Lucas technológiai cégét, a Graphics Groupot George Lucas-tól, és átnevezte Pixarra. A főként számítógépes grafikához szükséges hardverekkel és szoftverekkel foglalkozó cég idővel animációs stúdióvá vált, amely rövid, háromdimenziós animációs filmekkel rukkolt elő, amelyek elsődleges célja kezdetben az volt, hogy a potenciális vásárlók számára bemutassa a számítógépes grafika képességeit. A rövidfilmekre aztán felfigyelt a Disney, amely szerződést kötött a Pixarral három filmre. Ezek közül az első, a Toy Story - Játékháború (1995) hihetetlenül sikeres volt a mozikban, és forradalmasította az animáció területét.

A következő tíz évben a Pixar további öt játékfilmet készített, amelyeket a közönség és a kritikusok egyaránt szerettek. Egy bogár élete (1998), Toy Story - Játékháború 2. (1999), Szörny Rt. (2001), Némó nyomában (2003) és A hihetetlen család (2004) a Pixarnak a világ legjobb animációs stúdiójaként szerzett hírnevet. Ezt a hírnevet a következő években csak megerősítették a Verdák (2006), L'ecsó (2007), Wall-E (2008), Fel! (2009) és a Toy Story 3. (2010). Ironikus módon a Pixar minőségi hanyatlása csak azután következett be, hogy 2006-ban felvásárolta a Disney, amely addig a Csodacsibe (2005) és A Robinson család titka (2007) című háromdimenziós animációs filmjeivel próbált versenyezni.

 

Más animációs stúdiók felemelkedése

A 3D animáció terén a Disney a Volt (2008) és az Aranyhaj és a nagy gubanc (2010) bemutatójával kezdett virágzásnak indulni, míg addig inkább a klasszikus animációval volt sikeres, amelyet az Eszeveszett birodalom (2000), Atlantisz: az elveszett birodalom (2001), Lilo és Stitch - A csillagkutya (2002), A kincses bolygó (2002) és A hercegnő és a béka (2009) filmek voltak. Az animációs piac másik nagy szereplője a Blue Sky volt a Jégkorszak (2002-től) filmekkel és a Dreamworks a Z, a hangya (1998), Egyiptom hercege (1998) és a Shrek (2001-től) filmekel. 2002-ben bevezették az Oscar-díjkiosztón a legjobb animációs film kategóriát, és a mesekliséket parodizáló Shrek volt az első díjazott.

A 21. század első évtizede azt is megmutatta, hogy a 3D animáció az animációs filmekben is elterjedté válik. Sőt, 2009 után (először a Szörnyek az űrlények ellen című filmmel) a 3D-s animációs filmek a mozikban 3D-s szemüveghez tervezett változatokban kerültek forgalomba, térbeli nézési élményt nyújtva. 2011 és 2012 között a Disney néhány régebbi, ráadásul 3D-re konvertált cím újbóli forgalmazásával próbált sikert elérni, de ez a lépés anyagilag nem volt túl sikeres, így ez a stratégia hamar visszafelé sült el, és azóta csak az új animációs filmeket konvertálják 3D-re.

Emellett a Disney is forgalmazott új filmeket ebben az időben - Rontó Ralph (2012), Jégvarázs (2013) és a Hős6os (2014) –, a Pixar pedig ugyanezt tette a Merida, a bátor (2012) és a Agymanók (2015) című filmekkel. A Dreamworks a Madagaszkár (2005 óta) sorozattal, a Kung Fu Panda (2008 óta) és az Így neveld a sárkányodat (2010 óta) alapozta meg magát. A Studio Blue Sky egy Rio film-párral (2011 és 2014), a Sony a Hotel Transylvaniával (2012 óta), az Illumination Entertainment pedig a Gru-val (2010 óta) aratott sikert. Említést érdemel még a Laika stúdió és a stop motion bábanimációs filmjeik, mint például a Coraline és a titkos ajtó (2009), a Kubo és a varázshúrok (2016) és a A hiányzó láncszem (2019).

 

Rendhagyó animációs produkciók

Emellett az animáció olyan filmkészítők, mint Tim Burton és Wes Anderson, főként a vizuálisan jellegzetes stílusukról ismert játékfilmesek, a figyelem középpontjába került. Ennek köszönhetően készültek többek között a Karácsonyi lidércnyomás (1993), A halott menyasszony (2005), A fantasztikus Róka úr (2009) és a Kutyák szigete (2018) című bábfilmek. Robert Zemeckis rendező a maga részéről kísérletezett a motion capture technológiával, amely lehetővé tette, hogy a színészek mozgásos alakításait számítógépen rögzítse, majd animált modellekre nyomja – Zemeckis olyan filmeket rendezett, mint a Polar Expressz (2004) vagy a Karácsonyi ének (2009). A felnőtt animációs műfaj folytatói a South Park: Nagyobb, hosszabb és vágatlan (1999) és a Virsliparti (2016) című filmek, a Amerika Kommandó: Világrendőrség (2004) című bábszatíra, valamint a Furcsa amcsik (2010 óta), Rick és Morty (2013 óta) és a BoJack Horseman (2014 óta). 

Emellett a 2010 és 2020 közötti időszakot az európai, ázsiai, afrikai és dél-amerikai háromdimenziós animációs filmek hulláma jellemezte, amelyek - változó sikerrel - megpróbáltak betörni erre a piacra, és felvenni a versenyt a már befutott stúdiók kiemelkedő alkotásaival, mint például a Tintin kalandjai (Paramount Pictures, 2011), A LEGO-kaland (Warner Bros., 2014), Zootropolis – Állati nagy balhé (Disney, 2016), Coco (Pixar, 2017) vagy a Pókember - Irány a Pókverzum (Sony, 2018). Így rendszeresen forgalmazták külföldön számos más országokból származó animációs filmeket: Oroszország (Hókirálynő, 2012), Spanyolország (Tad Jones csudálatos kalandjai, 2012), Dél-Afrika (Khumba, 2013), Malajzia (Breki, a békakirályfi, 2014), Luxemburg (Ricsi a gólya, 2017) vagy Belgium (A királynő kutyája, 2019). 

 

Európai animáció

Az európai országokban és a világ más részein azonban már jóval korábban megjelentek az animációs filmek. Európában az animációt az 1930-as évektől kezdve használták, különösen a kísérleti alkotásokban, amelyek kihasználták, hogy az animáció előállítása nem emésztett fel túl sok költséget vagy egyéb erőforrást. A legtöbb európai animátor megvetette a klasszikus rajzfilmes animációt, mivel a hollywoodi piacorientáltsággal hozta összefüggésbe, és helyette a stop-motion fázisanimáció módszerét alkalmazta, amely a mozgás illúzióját az egyes ablakok egymás utáni pásztázásával hozza létre. Az animációt reklámokban és absztrakt rövidfilmekben használták. Az Egyesült Királyságban például Len Lye rendező közvetlenül a filmanyagra kézzel festett animációval kísérletezett.

A második világháború lelassította az európai animáció fejlődését, de több kelet-európai ország, például Magyarország, Bulgária és különösen Lengyelország az 1950-es és 1960-as években animációs szuperhatalommá vált. Az első lengyel animációs film a Janosik (1954) volt, amelynek alkotói, Włodzimierz Haupe és Halina Bielińska később a cannes-i filmfesztiválon a Zmiana warty (1959) című filmjükkel elnyerték a legjobb rövidfilm díját. Jan Lenica és Walerian Borowczyk lengyel animátorok olyan rövid animációs filmeket készítettek, amelyeket pesszimista és szürreális hangulat jellemez, mint például a Dom (1958). A 20. század második felében a lengyel animációs film legnagyobb alakjai Mirosław Kijowicz, Daniel Szczechura és Stefan Schabenbeck voltak. Zbigniew Rybczynski Oscar-díjat nyert a Tango (1981) című rövid animációs filmjéért, és Piotr Dumała rendező és animátor munkássága is jelentős volt a Wolność nogi (1989) és a Bűn és bűnhődés (2000) című filmekkel.

A magyar animáció megalapítójának Kató-Kizsly Istvánt tartják, akinek köszönhetően 1914- től kezdve rövid animációs klipek készültek Magyarországon. Az 1950-es években Magyarországon megalakult a Pannónia animációs stúdió, amely az 1960-as években nemzetközi ismertségre tett szert. A Gusztáv című magyar televíziós sorozatot az 1960-as évek második felében több mint hetven országba adták el. Jankovics Marcell is jelentős magyar animációs filmes volt, aki a Küzdők (1977) című rövidfilmmel aratott sikert Cannes-ban, és több mint húsz évig dolgozott Az ember tragédiáján (2011). Bulgáriában az animáció a 60-as évektől kezdve a Szófia Stúdiónak köszönhetően fellendülőben van. A következő évtizedekben számos rövid animációs művészfilm készült Bulgáriában. Magyarországon és Bulgáriában azonban az ezredfordulóig nem történt nagyobb mértékű elmozdulás az erősen szerzői projektekről a szélesebb közönséget célzó animáció felé.

 

Animáció Franciaországban

Franciaország mindig is kiváltságos helyzetben volt az európai animációban, amelynek animációs története az egyik leghosszabb a világon, és a 19. század végére nyúlik vissza - a bevezetőben említett praxinoszkóp feltalálója a francia Charles-Émile Reynaud volt. Az első francia animációs játékfilm a Le Roman de Renard volt 1930-ban, amelyet hét évvel később egy német, 1941-ben pedig egy francia hangjátékfilm követett. 1965-ben Jean-Francois Laguionie díjnyertes rendező, A festmény (2011) és A herceg utazása (2019) című filmek alkotója elkészítette első animációs rövidfilmjét. 1967-ben Franciaországban elkezdődött a híres képregény alapján Asterixről szóló filmsorozat forgatása, de a sorozat első része az Asterix, a gall a képregény szerzőinek, René Goscinny és Albert Uderzo tudta nélkül készült, akik aztán a sorozat következő filmjét, az Asterix és Kleopátra (1968) rendezői voltak.

Említésre méltó A vad bolygó (1973) című francia animációs sci-fi, amelyet Csehszlovákiában animáltak, és amelynek alkotója, René Laloux, aki később Az idő urai (1982) és a Gandahar (1988) című filmeket rendezte. A televízióban a Gógyi felügyelő (1983-tól) és a belga képregény ihlette Tintin kalandjai (1990-től) című animációs sorozat volt népszerű Franciaországban. A francia filmanimáció terén jelentős áttörést jelentett a Belleville randevú (2003) című film, amelyet két Oscar-díjra jelöltek - a legjobb animációs film és a legjobb dal kategóriában -, és amelynek rendezője, Sylvain Chomet később Az illuzionista (2010) című animációs filmmel aratott sikert. További Oscar-jelölt filmjei közé tartozik a Persepolis (2007), Egy macska kettős élete (2010) és a Keresem a testemet (2019), de érdemes megemlíteni többek között A kis herceg (2015) című, rendkívül sikeres filmet, A messzi észak (2015) című kalandfilmet és Luc Besson Arthur és a villangók-trilógiáját (2006 óta) is.

 

Brit animáció és siker a gyurma segítségével

Nagy-Britannia első animációs filmje 1954-ben az Állatfarm című szatirikus mesefilm volt, amely a kommunizmust és a diktatúrát bírálta, és amely az országban először vezetett be számos, a filmanimációval kapcsolatos szakmát. Másik nagy nemzetközi sikere a Watership Down (1978) volt. Nagy-Britannia azonban csak a stop motion animációt és formálható gyurmafigurákat alkalmazó Aardman Animations stúdióval lépett be a filmanimációs műfaj történetébe.

Nick Park rendező bemutatta Wallace-t és kutyáját, Gromitot, a modellbabát, és rövidfilmet készített velük, a Wallace és Gromit: A nagy kirándulás (1989) címmel, majd, amikor ugyanezeket a karaktereket a Wallace és Gromit: Önműködő nadrágban (1993) is megformálta, és Oscar-díjat nyert érte, a stúdiónak végre sikerült elég pénzt összegyűjtenie egy nagyjátékfilmre. Ez volt a Csibefutam (2000), amelyet követtek a Wallace és Gromit: Az elvetemült veteménylény (2005), a Shaun bárany karakterét bemutató filmpáros (Shaun, a bárány – A film 2005-ból és a Shaun, a bárány és a farmonkívüli 2019-ból), valamint a Karácsony Artúr (2011), de ez már hagyományos háromdimenziós számítógépes animációval készült.

 

A bábanimáció hagyománya Csehszlovákiában

Franciaországgal vagy Nagy-Britanniával összehasonlítva a csehszlovák animációnak nagy múltja van a bábokkal való munkában. Csehszlovákiában az első animációs filmek gyártására szakosodott filmstúdiókat 1939-ben alapították Zlínben FAB - Filmové Ateliéry Baťa néven, amelyek eredetileg reklámfilmek forgatására épültek. Az első csehszlovák rövid animációs film, a Ferda Mravenec (1944) szintén bábfilm volt, és Hermína Týrlová, a zlíni stúdiók alkalmazottja készítette. Második filmes tapasztalata a Bořivoj Zeman Vánoční sen (1945) című animációs film volt, amelyen Karel Zemannal dolgozott együtt, aki 1942-ben csatlakozott hozzá asszisztensként. Karel Zeman volt az, aki később a cseh animáció egyik vezető alakjává vált az Utazás az őskorba (1955), Ördögi találmány (1958), Münchhausen báró kalandjai (1961) és Az ellopott léghajó (1966) című játékfilmjeivel, amelyekben élőszereplőket kombinált animációs elemekkel és bábanimációval, valamint olyan tisztán animációs filmekkel, mint például A varázsló inasa (1977) vagy a Mese Honzikról és Marjenkáról (1980).

Csehszlovákiában az animációs filmeket elsősorban a gyermekeknek szóló televíziós sorozatokban használták. Az 1950-es évektől kezdve számos rövid animációs sorozat készült, amelyeket 1965-től a Večerníček című gyermekműsorba csoportosítottak. Ezek közül talán a leghíresebb a Kisvakond (1957-től) című sorozat, amelyben Zdeněk Miler animátor alkotta meg a vakond karakterét, amely később a cseh animáció szimbólumává vált. További népszerű animációs esti mesék közé tartoznak a Moha és Páfrány (1968-tól), Na návštěvě u Spejbla a Hurvínka (1972-től), Maxipes Fík (1975-től), Pat és Mat avagy a kétbalkezesek (1976-tól), Bob és Bobek (1979-től) és a Pohádky o mašinkách (1987-től).

A csehszlovák animációs film másik fontos személyisége Jiří Trnka volt, aki sokoldalú művészként a Nemzeti Színházzal dolgozott díszlet és jelmeztervezőként. Később filmeseknek kezdett jelmezeket tervezni. 1945-ben megalapította a Bratři v triku animációs stúdiót, 1947-ben pedig egy bábfilmstúdiót is létrehozott. Különösen a Bajaja (1950), Staré pověsti české (1952) és a Sen noci svatojánské (1959) című bábfilmjeivel vált híressé. Jan Švankmajer, aki bábokat, maszkokat és animációs elemeket használt szürrealisztikusan stilizált játékfilmjeiben, az Alíz (1988), Faust (1994), A gyönyör összeesküvői (1996) és az Ottóka (2000) fantáziadús stop motion animációjával vált híressé.

 

Az animáció fejlődése más európai országokban

Más európai országokban csak néhány animációs stúdió működött az 1970-es évektől kezdve, amikor animációs gyermek-tévésorozatok készültek, amelyeknek a készítői gyakran találták kifizetődőnek a japán animátorokkal való együttműködést - például a Maja, a méhecske (1975- től). A filmfesztiválokon független filmesek rövid animációs filmjei jelentek meg, gyakran például a Szovjetunióban készült filmek. Idővel számos országnak sikerült érvényesülnie az animációs piacon és a nemzetközi konkurenciával szemben olyan jellegzetes és egyedi címekkel, mint a Libanoni keringő (Izrael és Franciaország, 2008), Loving Vincent (Lengyelország, 2017) vagy a Klaus – A karácsony titkos története (Spanyolország, 2019). Tom Moore rendező ír animációs fantasy filmjei, a Kells titka (2009), A tenger dala (2014) és a Wolfwalkers – Farkasokkal néptáncoló (2020), amelyeket az ír és kelta mitológia ihletett, szintén nemzetközi sikert arattak.

A csehszlovák bábanimáció hagyományát az ezredforduló után Csehországban többek között a Jan Werich Fimfárum Jana Wericha (2002 óta) című mesegyűjteményén alapuló Jan Werich-novellafilmek hármasa, valamint Jan Balej animátor, az Egy éjszaka egy városban (2007) és A halbolt hercegnője (2015) című animációs filmek szerzőjének munkája folytatta. Emellett a cseh animáció azóta is igyekszik megfelelni a külföldi 3D-s animációknak, különösen a Kozí příběh - Pověsti staré Prahy (2008), Lichožrouti (2016) vagy a Hurvinyek és a mágikus múzeum (2017) című filmekben. A cseh filmeken belül nem szokványos helyet foglalt el az Alois Nebel (2011) című képregényfilm, amely a már említett rotoscoping módszerrel készült, ahol a teljes filmet először élő szereplőkkel vették fel, majd mezőnként kézzel rajzolták újra, és ezt követően számítógépen vágták meg. Hasonló módon készült Richard Linklater amerikai filmje, Az élet nyomában (2001) és a Kamera által homályosan (2006) is.

 

Japán anime

A japán animátorok az animációban is különleges jelentőséggel bírnak, mivel sikeresen megalkották a kézi animáció sajátos, anime néven ismert stílusát. Az animációs módszerek hiánya miatt ezt úgy hozták létre, hogy a hangsúlyt inkább a kép művészi minőségére helyezték, mint a mozgásra - így például gyakori volt, hogy nagy figyelmet fordítottak a hátterek megalkotására, amelyek kidolgozottságukkal és részletességükkel segítették az általános hangulat kialakítását. Az első egészestés animefilm az 1945-ös Momotarō: Umi no shinpei című háborús film volt, amelyet a japán császári haditengerészet támogatott. Az anime produkciókat körülbelül az 1960-as évek elejétől kezdve sugározták a televízióban, és nagyjából ugyanebben az időben jutottak el a külföldi piacokra is. Néhány alkotás azzal a közvetlen szándékkal készült, hogy az amerikai televízió képernyőjére kerüljön, mint például a Tecuwan Atom (1963-tól), a Mahō tsukai Sally (1966-tól) és a Mach GoGoGo (1967-től). Japánban viszont a Sazae-san már akkoriban is nagyon népszerű volt, 1969 óta folyamatosan sugározták, és több mint 7500 epizódjával a Guinness Rekordok Könyvében a történelem leghosszabb ideig futó sorozataként szerepelt (az új epizódok gyártását csak 2020-ban szakította meg a koronavírusjárvány).

Az 1970-es években Japánban megnőtt a manga képregények népszerűsége, amelyek néhány jellegzetes vonással és műfajjal gazdagították az animét, és bevonták azt a kortárs művészetbe. A külföldi közönség számára szokatlan volt például a mecha nevű alműfaj, amelyben óriásrobotok szerepeltek, vagy a hentai, amely erotikus és pornográf témák körül forgott. Az 1980-as években aztán az anime mainstream lett, és hatalmas fellendülésnek indult, amit a rengeteg cím létrehozása táplált. Az 1990-es években az anime a külföldi piacokon is széleskörűen terjeszkedni kezdett. Klasszikusnak számított az Akira (1988), a Páncélba zárt szellem (1995) és a Perfect Blue (1998), de a legnagyobb legenda az alkotók között a Studio Ghibli és fő képviselője, Hayao Miyazaki volt, aki többek között a Nauszika - A szél harcosai (1984), Totoro - A varázserdő titka (1988), Porco Rosso - A mesterpilóta (1992) A vadon hercegnője (1997), valamint a Chihiro Szellemországban (2001) rendezte, amelyért Oscar-díjat kapott.

További japán filmesek közé tartozik Mamoru Hosoda, aki olyan filmek mögött állt, mint a Summer Wars (2009), Ókami kodomo no Ame to Juki (2012), Shigeyuki Hayashi, a Ginga tetsudō 999 (1979), Isao Takahata, aki A szentjánosbogarak sírját (1988) és a Pom Poko - A tanukik birodalmát (1994) rendezte, Yoshiaki Kawajiri a Yōjū toshi (1987), Ninja Scroll (1993) és a Vampire Hunter D - Vérszomj (2001) című filmjeivel, vagy Makoto Shinkai, akinek filmje, Mi a neved? (2016) minden idők legnagyobb bevételt hozó animefilmje lett, megelőzve a Chihiro Szellemországban című filmet. A hosszú ideje futó népszerű anime-sorozatok közé tartozik a Dragon Ball (1986 óta), Wan písu (1999 óta), Pokémon (1997 óta), Naruto (2002 óta), Hagane no renkinjutsushi (2003 óta), A halállista (2006 óta) és a Shingeki no kyojin (2013 óta).

Filmmaniak