Musical - Gatunki

Historia filmowego musicalu

Musical to nazwa nadana gatunkowi dramatycznemu, który łączy dialogi postaci ze śpiewem i ewentualnie tańcem przy akompaniamencie muzyki - tak więc wykonawcy w musicalach musieli być nie tylko dobrymi aktorami i potencjalnie tancerzami, ale także utalentowanymi śpiewakami. Musical jest ogólnie rozumiany jako musical teatralny lub musical filmowy, który powstał wraz z pojawieniem się filmu dźwiękowego. Początki musicalu sięgają oper, operetek i programów rozrywkowych, a musical filmowy powstał oczywiście w następstwie musicalu teatralnego, nie wspominając o tym, że wiele musicali filmowych jest bezpośrednimi adaptacjami musicali teatralnych. Sama nazwa „musical” wywodzi się od angielskiego terminu „musical comedy”, który w pierwszej połowie XX wieku odnosił się do komediowych, śpiewanych i często nieaktorskich przedstawień teatralnych. Musical jest często przeplatany z gatunkiem komedii, ale każdy inny gatunek fikcyjny może być również traktowany jako musical. Musical ma swoje korzenie w USA, gdzie znajduje się Broadway, który wyprodukował wiele musicali teatralnych, które nadal należą do najbardziej znanych i popularnych.

Śpiew w musicalach zazwyczaj zastępuje dialogi i w ten sposób rozwija fabułę i osobowość postaci, ale w niektórych przypadkach śpiew i taniec mogą pełnić jedynie rolę wypełniającą. Specyficzną cechą musicalu jest przenikanie się rzeczywistości i fantazji, tj. świata realnego z fikcyjnym, iluzorycznym światem marzeń. Realizując te światy, wielu scenografów, reżyserów, choreografów tańca i operatorów filmowych mogło puścić wodze fantazji i kreatywności, czyniąc musicale najbardziej atrakcyjną audiowizualnie i kreatywną sferą komercyjnego kina hollywoodzkiego przez wiele dekad. Każde główne amerykańskie studio filmowe miało swoje muzyczne gwiazdy i kompozytorów muzyki oraz wypracowało swój własny, charakterystyczny styl dla gatunku musicalowego. Muzyka w musicalach była następnie pod wpływem naprzemienności różnych gatunków muzycznych na przestrzeni dziesięcioleci, z dominacją jazzu i muzyki klasycznej, a następnie rock'n'rolla i rocka, a wreszcie popu.

Pierwsze filmowe musicale

W przypadku pierwszych filmów dźwiękowych (patrz np. Wieża miłości, 1926), ich ścieżka dźwiękowa z muzyką i sporadycznymi dźwiękami była odtwarzana osobno, wraz z filmem (a wcześniej istniała tendencja do towarzyszenia filmowi z orkiestrą na żywo). Pierwszym pełnometrażowym filmem dźwiękowym, w którym ścieżka dźwiękowa była już częścią samego filmu, był Śpiewak jazzbandu (1927), ale miał on zsynchronizowany dźwięk tego typu tylko w niektórych częściach i zawierał tylko kilka linii dialogowych. Był to jednak pierwszy film w historii, w którym widzowie mogli usłyszeć aktorów mówiących bezpośrednio z ekranu. Był to także pierwszy musical z sześcioma piosenkami. Następnym wielkim hitem był Śpiewający błazen (1928), opowiadający o wzlotach i upadkach piosenkarza udającego czarnoskórego mężczyznę, po którym kina zaczęły masowo instalować systemy dźwiękowe w swoich salach, a filmowcy zaczęli zatrudniać kompozytorów z Broadwayu do pisania piosenek specjalnie do filmów.

Pierwszym filmem, który nie zawierał już żadnych napisów i był w całości mówiony, był dramat kryminalny Światła Nowego Jorku (1928), który zawierał fragment muzyczny rozgrywający się w nocnym klubie. Film Melodia Broadwayu (1929), który oferował widzom zarówno taniec, jak i śpiew, zdobył następnie Oscara (na drugiej gali Oscarów w historii), po czym wszystkie główne hollywoodzkie studia zwróciły uwagę na musicale, ostatecznie marginalizując film niemy. Sukces filmu Melodia Broadwayu, który stał się podstawą tak zwanego backstage musicalu (musicalu zakulisowego), rozgrywającego się w kulisach produkcji teatru muzycznego, doprowadził w latach 1935-1940 do powstania wielu kontynuacji tematycznych. Niektóre musicale z kolei faworyzowały de facto strategię pomijania linii fabularnej i zastępowania jej chaotyczną serią numerów muzycznych (zob. np. Rewia Hollywoodu z 1929 roku).

 

Nadpodaż na rynku w latach 30. XX wieku

W 1929 roku swoją premierę miał narracyjny musical Branka wodza i największy hit kasowy swoich czasów, Wesołe kobietki. Musicale w tym czasie w Ameryce dosłownie eksplodowały, a niektóre z najbardziej znanych z końca lat dwudziestych i początku lat trzydziestych XX wieku to m.in. Sally (1929), Statek komediantów (1929), Bright Lights (1930), Pod teksańskim księżycem (1930), Król jazzu (1930) czy Kiss Me Again (1931). W 1930 roku w Hollywood nakręcono ponad sto musicali, co szybko doprowadziło do przesycenia na rynku, przez co w 1931 roku powstało ich około siedem razy mniej. Począwszy od 1933 roku, musicale szybko powróciły jednak do mody dzięki pojawieniu się wyszukanej choreografii tanecznej. Popularne w 1933 roku były na przykład musicale Ulica szaleństw, Poszukiwaczki złota lub Nocne motyle, które dzięki kreatywnym numerom tanecznym przygotowanym przez choreografa Busby Berkeleya przewyższały wszystko, co można było zobaczyć na scenie w tamtym czasie.

Ponadto pod koniec lat 20. i na początku lat 30. do USA zaczęli napływać imigranci z Europy, z których niektórzy znaleźli dom w Hollywood i częściowo przełożyli swoją europejską wizję na filmy i musicale, na które wpływ miały lokalne opery i operetki. Dla nich Ameryka nie była wystarczająco elegancką scenerią dla musicalu, więc osadzali go na przykład w Paryżu lub Wiedniu - urodzony w Niemczech reżyser Ernst Lubitsch nakręcił filmy, takie jak Parada miłości (1929), Monte Carlo (1930), Uśmiechnięty porucznik (1931), Jedna godzina z tobą (1932) czy Wesoła wdówka (1934), w których chętnie obsadzał gwiazdy musicali Maurice’a Chevaliera i Jeanette MacDonald. Z Rosji pochodzący reżyser Rouben Mamoulian nakręcił w Ameryce dla zmiany musical Kochaj mnie dziś (1932). Zresztą na kształt amerykańskich musicali w tamtym okresie duży wpływ mieli także m.in. kompozytor George Gershwin, kompozytor i autor tekstów musicalowych Cole Porter czy autor broadwayowskich musicali Richard Rodgers.

 

Fred Astaire i Ginger Rogers

W 1933 roku wszedł do kin musical Tańcząca Wenus, w którym po raz pierwszy wystąpił aktor, tancerz, piosenkarz i choreograf Fred Astaire, który następnie utworzył duet taneczny z aktorką, piosenkarką i tancerką Ginger Rogers, z którą w tym samym roku wystąpił w musicalu Karioka. W ciągu następnych sześciu lat wystąpili razem w ośmiu kolejnych musicalach, co uczyniło ich gwiazdami Hollywood lat 30. Fred Astaire wcześniej występował na Broadwayu, a jego elegancja ruchu i profesjonalizm sprawiły, że był najbardziej poszukiwanym tancerzem filmowym, który w późniejszych latach cieszył się udaną karierą aktorską. Podobnie było w przypadku Ginger Rogers, która zakończyła karierę w musicalach po boku Astaire’a w 1939 roku wraz z filmem Na skrzydłach sławy, po czym rozpoczęła solową karierę jako aktorka (i zdobyła Oscara w 1940 roku).

Najwybitniejszymi z ich wspólnych musicali byłi choreograficznie pomysłowi Panowie w cylindrach (1935), w którym obaj bohaterowie poznali się z powodu naruszania ciszy nocnej podczas stepowania, oraz Lekkoduch (1936), opowiadającym o tancerzu kabaretowym mającym poczucie winy i by przeprosić nauczycielkę tańca, zapisuje się na jej zajęcia. Większość z tych musicali była zasadniczo prostymi komediami z fabułą osadzoną w środowisku miejskim, opartą na wszelkiego rodzaju błędach i nieporozumieniach. W filmie Wesoła rozwódka (1934) główny bohater nieumyślnie wplątuje się w intrygę kobiety, która próbuje przekonać męża o konieczności rozwodu, a w filmie Zatańczymy? (1937) tańcząca para musiała wziąć ślub, by media nie rozpowszechniały fałszywych informacji, a w Zakochana pani (1938) seria drobnych niefortunnych zdarzeń sprawiła, że narzeczona bohatera zakochała się w jego najlepszym przyjacielu.

Fred Astaire występował następnie w wielu innych musicalach, jednak już z różnymi partnerami tanecznymi. Na przykład w filmach Marzenia o karierze (1941) a Moja najmilsza (1942) towarzyszyła mu aktorka i tancerka Rita Hayworth, która następnie wystąpiła m.in. w musicalach My Gal Sal (1942) i Modelka (1944). Ostatnią aktorską współpracą Astaire’a z Ginger Rogers był musical Przygoda na Broadwayu (1949), w którym oboje ponownie spotkali się dziesięć lat po rozstaniu. Fred Astaire w tym filmie zagrał profesjonalnego tancerza, a Ginger Rogers jego żonę, która pragnęła opuścić scenę taneczną, aby zająć się aktorstwem dramatycznym - film zasadniczo odzwierciedlał zatem twórcze napięcie, które istniało między dwojgiem aktorów w rzeczywistości.

 

Judy Garland i Gene Kelly

Nieśmiertelnym klasykiem wśród musicali na przestrzeni lat, to Czarnoksiężnik z Oz (1939), w którym w postać nastoletniej Dorotki, która trafia do krainy fantazji i aby wrócić do domu, podejmuje wyprawę do Szmaragdowego Grodu w towarzystwie postaci Tchórzliwego Lwa, Blaszanego Drwala i Stracha na Wróble, aby spotkać się z czarnoksiężnikiem, wcieliła się młoda aktorka i piosenkarka Judy Garland. Podpisała kontrakt aktorski z MGM w wieku trzynastu lat i od tego czasu pojawiła się w ponad dwóch tuzinach filmów studia (często w parze z aktorem Micky Rooneyem), z których wiele było również musicalami. Czarnoksiężnik z Oz był jej dziesiątym musicalem, ale pierwszym naprawdę udanym. Kolejny wielki sukces dla Judy przyszedł wraz z filmem Spotkamy się w St. Louis (1944), nakręconym przez jej przyszłego męża Vincente Minnelli.

W filmie Parada wielkanocna (1948), Judy Garland zagrała u boku Freda Astaire’a i innych gwiazd w dwóch ostatnich filmach trylogii musicalowej z gwiazdorską obsadą Wielki Ziegfeld (1936), Kulisy wielkiej rewii (1941) i Rewia na Broadwayu (1946), która została stworzona na cześć dyrektora artystycznego Broadwayu Florenza Ziegfelda. Wśród jej innych filmów muzycznych warto wymienić komedię Zwariowana dziewczyna (1943) i western Dziewczęta Harveya (1946), w którym Judy wcieliła się w naiwną dziewczynę, która przyjeżdża do Arizony z powodu listów z zaproszeniem na oświadczyny. Następnie w 1950 roku MGM rozwiązało kontrakt z Judy z powodu problemów osobistych, ale triumfalnie powróciła po kilkuletniej przerwie w głównej roli musicalu Narodziny gwiazdy (1954), który był remakiem dramatu z 1937 o tej samej nazwie i który zdobył Judy nominację do Złotego Globu i Oscara.

W Rewia na Broadwayu brał udział aktor, tancerz i piosenkarz Gene Kelly, który obok Mickyego Rooneya był najczęstszym partnerem aktorskim Judy Garland, z którą wystąpił m.in. w musicalu przygodowym Pirat (1948) lub w filmie Summer Stock (1950). W filmie tym Judy zagrała zaręczoną farmerkę, w której stodole, za namową jej zakochanej siostry, ekipa pod przewodnictwem reżysera, granego przez Gene Kelly, rozpoczęła przygotowania do kręcenia nowego filmu. W musicalu Amerykanin w Paryżu (1951) autorstwa Vincenta Minnelliego. Kelly zagrał malarza zakochanego w młodej Francuzce zaręczonej z piosenkarzem kabaretowym. Ponadto Kelly był również wpływowym i kreatywnym reżyserem filmowym, który wzbogacił sekwencje taneczne w musicalach eksperymentami w zwolnionym tempie, zdjęciami trickowymi i animacją. W swoim debiucie z 1949 roku, zatytułowanym Na przepustce, obsadził Franka Sinatrę, z którym w tym samym roku zagrał w musicalu Zabierz mnie na mecz. Zdecydowanie największy sukces przyniósł mu jednak film Deszczowa piosenka (1952), który był zabawną romantyczną satyrą na Hollywood w czasach pojawienia się filmu dźwiękowego i nadal jest uważany za jeden z najlepszych musicali filmowych wszechczasów.

 

Radzieckie musicale z lat 30. i 40.

Musicale produkowane w Związku Radzieckim były przede wszystkim narzędziem propagandowym, ale zostały nakręcone w taki sposób, że mogły konkurować pod względem rozrywki i różnorodności z filmami muzycznymi z Ameryki, które były już znacznie bardziej popularne w Związku Radzieckim niż poważne filmy rodzimej produkcji w tym czasie. W latach 30. reżyser Grigoriy Aleksandrow nakręcił w Związku Radzieckim kilka musicali, a jego film Świat się śmieje (1934), inspirowany hollywoodzkimi wzorcami, był pierwszym radzieckim musicalem. Następnie nakręcił Cyrk (1936) i przede wszystkim Wołga, Wołga (1938), który stał się niezwykle popularny w swoim czasie (był nawet najpopularniejszym filmem Stalina), choć spełniał wymagane parametry socrealizmu tylko pod względem estetycznym, ale nie pod względem wartości ideologicznych.

Autorzy radzieckich musicali byli zmuszeni do budowania swoich filmów wokół banalnych fabuł i podkreślania tematów, które celebrowały postęp przemysłowy i klasę robotniczą. Zazwyczaj fabuła obracała się wokół historii biednej jednostki, która dzięki ciężkiej pracy osiągnęła lepsze i bogatsze życie. Filmy wyreżyserowane przez Ivana Pyreva, takie jak Górą dziewczęta! (1939), Świniarka i pastuch (1941) czy Wesoły jarmark (1949), traktowały z kolei o środowisku ciężko pracujących rolników. Grigoriy Aleksandrov nakręcił w latach 40. także musicale Jasna droga (1940) i Wiosna (1947), w których, podobnie jak w większości swoich wcześniejszych filmów, obsadził aktorkę Lyubov Orlovą, która była wówczas największą radziecką gwiazdą filmową. Niezwykłe było to, że wiele radzieckich musicali z epoki socrealizmu opierało się na optymistycznej atmosferze radości i obfitości, podczas gdy rzeczywiste warunki w kraju w tym czasie były dokładnie odwrotne.

 

Boom na amerykańskie adaptacje teatralne w latach 50. XX wieku

Adaptacje musicali scenicznych były kręcone wkrótce po powstaniu samego musicalu filmowego, ale zwykle przypominały one swój sceniczny model tylko sporadycznie i rzadko osiągały taki sam sukces. Bardziej wierne adaptacje filmowe zaczęły pojawiać się w dużych ilościach dopiero w latach 50. ubiegłego wieku, kiedy to takie filmy jak Wszyscy na scenę (1953), który powrócił do motywu zaplecza teatralnego, czy Faceci i laleczki (1955) z Frankiem Sinatrą i  Marlonem Brando w roli hazardzistów. Bardzo popularne i udane były filmy oparte na twórczości kompozytora Richarda Rodgersa i autora tekstów Oscara Hammersteina. Z ich pracy teatralnej powstał musical Oklahoma (1955), opowiadający o dwóch historiach miłosnych rozgrywających się na początku XX wieku na tle sporów między farmerami i hodowcami bydła; nagrodzony pięcioma Oscarami musical biograficzny Król i ja (1956), traktujący o losach syjamskiego władcy Mongkuta, granego przez aktora Yula Brynnera; tematowi życia pozagrobowego poświęcony musical Carousel (1956) czy wojenny romans muzyczny Południowy Pacyfik (1958), rozgrywający się podczas wojny na Pacyfiku.

Wręcz przeciwnie, liczba oryginalnych musicali napisanych specjalnie na potrzeby srebrnego ekranu znacznie spadła w latach pięćdziesiątych, podczas gdy przemysł filmowy również zaczął konkurować z telewizją. Do kategorii musicali nieteatralnych zaliczać można na przykład adaptację musicalową opowiadania literackiego Gigi (1958) Vincenta Minnelliego, która zdobyła dziewięć Oscarów. Musical Siedem narzeczonych dla siedmiu braci (1954) był oparty na opowiadaniu literackim, a film Calamity Jane (1953) został zainspirowany bohaterką Dzikiego Zachodu o tym samym imieniu. Film Białe Boże Narodzenie (1954) w dużym stopniu wykorzystywał piosenki kompozytora Irvinga Berlina, podczas gdy musical Zabawna buzia (1957) z udziałem Audrey Hepburn i Freda Astaire’a był oparty na muzyce i tekstach braci Gershwinów. Reżyser Otto Preminger nakręcił z aktorką Dorothy Dandridge musicale Czarna Carmen (1954) i Porgy i Bess (1959), Howard Hawks zaś w swoim komediowym musicalu Mężczyźni wolą blondynki (1953) obsadził Marilyn Monroe.

 

Lata 60. i koniec złotej ery musicali

Okres od lat czterdziestych do sześćdziesiątych XX wieku jest ogólnie określany jako złoty wiek musicali filmowych, ale najsłynniejsze i najbardziej znane musicale powstały, z kilkoma wyjątkami, w trzeciej dekadzie tej ery. Dziesięć Oscarów przyznano musicalom Roberta Wise’a i Jeroma Robbinsa West Side Story (1961), który opierał się na fabule tragedii Shakespeare'a Romeo i Julia, ale osadził akcję we współczesnym Nowym Jorku, a konflikty między rywalizującymi rodzinami zastąpił starciami między amerykańskimi potomkami imigrantów a gangami złożonymi z nowych imigrantów. Musical My Fair Lady (1964), wyreżyserowany przez  George’a Cukora z Audrey Hepburn w roli zuchwałej kwiaciarki, która staje się przedmiotem zakładu o to, czy kobieta niskiego urodzenia może zostać przeszkolona w etykiecie na tyle dobrze, aby w ciągu sześciu miesięcy idealnie dopasować się do elity społecznej, zdobył osiem Oscarów. Wspaniały musical, wyprodukowany przez Walta Disneya z Julią Andrews w roli magicznej niani Mary Poppins (1964), łączący żywych aktorów z dwuwymiarową animacją, zdobył pięć z 13 nominacji do Oscara. Pięć Oscarów zgarnął rok później musical Dźwięki muzyki w reżyserii Roberta Wise’a (1965), który został nakręcony w austriackich i niemieckich plenerach, ponownie z Julią Andrews, tym razem w roli nowicjuszki, która po opuszczeniu klasztoru zostaje guwernantką w rodzinie owdowiałego kapitana morskiego granego przez Christophera Plummera.

Wszystkie te filmy odniosły ogromny sukces pod względem uznania krytyków i nagród filmowych, a także pod względem frekwencji widzów, co naturalnie doprowadziło do dalszego boomu na musicale. Tylko z Julią Andrews powstały po 1965 roku musicale Na wskroś nowoczesna Millie (1967) i Gwiazda! (1968), z Fredem Astairem zrealizowany przez Francisa Forda Coppolę Tęcza Finiana (1968), a reżyser William Wyler nakręcił swój biograficzny musical Zabawna dziewczyna (1968) z Barbrą Streisand. Ponadto jednak pojawiła się duża liczba nieudanych musicali, które zaczęły ponownie pokazywać słabnące zainteresowanie publiczności tym gatunkiem. Pojawienie się rock'n'rolla i filmów muzycznych w latach 60. również przyczyniło się do zmiany gustów publiczności, zwłaszcza w przypadku słynnego Elvisa Presleya, który po powrocie z wojny w 1960 r. produkował jeden film po drugim.

Słabo poradził sobie między innymi musical arturiański Camelot (1967), film familijny Doktor Dolittle (1967), nostalgiczny Do widzenia, panie Chips (1969), western Pomaluj swój wóz (1969), komedia W pogodny dzień zobaczysz przeszłość (1970) i przygodowy Człowiek z La Manchy (1972). Jednak klasyczny gatunek musicalowy zaczął schodzić na dalszy plan po nominowanym do siedmiu Oscarów musicalu Hello, Dolly! z udziałem Barbry Streisand. Niektóre z tych filmów zyskały jednak uznanie lub cieplejszą reakcję publiczności wiele lat później.

 

Europejskie musicale w latach 60. i 70.

Chociaż francuski reżyser i scenarzysta Jacques Demy stworzył swój film Panienki z Rochefort (1967) jako hołd dla musicali MGM (i obsadził w nim Gene’a Kelly’ego), a kilka musicali w amerykańskim stylu pojawiło się w Związku Radzieckim, generalnie hollywoodzka tradycja musicalowa miała niewielki wpływ na filmy tworzone poza Stanami Zjednoczonymi. Inne musicale Demy’ego, takie jak Parasolki z Cherbourga (1964) czy Królewna w oślej skórze (1970), były już typowo francuskie, a nawet w innych krajach europejskich gatunek muzyczny rozwinął się bardziej z rodzimych tradycji i tylko na bardzo ograniczoną skalę. W Wielkiej Brytanii gatunek musicalowy zaczął wywierać znaczący wpływ dopiero w latach 60-tych, kiedy ogromnym krajowym hitem o międzynarodowym uznaniu stały się komedie muzyczne Noc po ciężkim dniu (1964) i Na pomoc! (1965), w których wystąpili członkowie zespołu The Beatles. Później pojawiła się m.in. nagrodzona Oscarem adaptacja Olivera Twista Carola Reeda zatytułowana Oliver! (1968) czy film gangsterski z udziałem dzieci Bugsy Malone (1976). W kolejnych latach Wielka Brytania dogoniła Amerykę pod względem produkcji filmów muzycznych.

Koprodukcja między Węgrami, Niemcami i Austrią, oparta na słynnej węgierskiej operetce o tym samym tytule Księżniczka czardasza (1971), a rok później na Węgrzech powstał musical wojenny Czerwony psalm (1972). We Włoszech powstał musical inspirowany tematyką wojenną (1969), a rok później musical wojenny Wojenne jaja (1969), podczas gdy musical Rita nel West (1967) był bardziej westernem. W Czechosłowacji powstały musicale typu klasycznego Starcy na chmielu (1964) i Noc na Karlsztejnie (1973), musical parodiujący westerny Lemoniadowy Joe (1964) i film estradowy Gdyby tysiąc klarnetów (1964), obsadzony gwiazdami ówczesnej czechosłowackiej sceny muzycznej. Filmy muzyczne, często inspirowane hiszpańskimi operetkami (zarzuelami), miały w Hiszpanii tradycję od lat 30. ubiegłego wieku. Od filmów, takich jak Morena Clara (1936) czy El barbero de Sevilla (1938), był tylko krótki krok do musicali, które cieszyły się znaczną popularnością w Hiszpanii do końca lat 70-tych (patrz np. Escucha mi canción, 1959 lub Canción de juventud, 1962). Kilka filmów muzycznych zostało później nakręconych przez hiszpańskiego reżysera Carlosa Saurę (np. Krwawe gody 1981 lub Carmen 1983).

 

Odrodzenie amerykańskiego musicalu w latach 70. XX wieku

Przełom lat 60. i 70. wyraźnie pokazał, że forma musicali ze złotej ery Hollywood jest przestarzała i potrzeba czegoś nowego. Twórcy nowo powstających musicali porzucili więc cały blichtr i teatralność i postanowili albo pójść w bardziej realistycznych kierunkach, albo oderwać się od rzeczywistości i poeksperymentować z filmowymi motywami. Tę drugą drogę obrał na przykład ekstrawagancki musical rockowy Rocky Horror Picture Show (1975), który powstał jako parodia starych filmów science-fiction i horrorów klasy B. Pełen dziwacznych pomysłów i wyrafinowanych popkulturowych odniesień film, opowiadający historię młodej pary nowożeńców, którzy gubią się na drodze w ulewnym deszczu, a następnie trafiają na zjazd obywateli planety Transsexsual z galaktyki Transylwania, był klapą podczas premiery, ale po późniejszym włączeniu do pokazów o północy stał się kultowym romansem, wokół którego przez lata zgromadziła się silna baza fanów. Film do dziś wyświetlany jest w wybranych kinach w USA, a widzowie wzbogacają jego oglądanie o szereg sztucznych rytuałów.

Wybuch spowodował także Jesus Christ Superstar (1973), musical spod pióra kompozytora Andrewa Lloyda Webbera, który wyobraził sobie historię ukrzyżowania Jezusa Chrystusa jako operę rockową. Powstało również kilka musicali fantasy, takich jak. Willy Wonka i fabryka czekolady (1971), o wycieczce w szalonej fabryce czekolady, czy Gałki od łóżka i kije od miotły (1971), który naśladując model Mary Poppins łączył żywych aktorów z dwuwymiarową animacją. Film 1776 (1972) był próbą stworzenia musicalu z historii sporządzenia Deklaracji Niepodległości Stanów Zjednoczonych, Upiór z raju (1974), wyreżyserowany przez Briana De Palmę, łączył musical i horror-komedię w opowieści o kompozytorze, który oddał duszę diabłu. Film Czarnoksiężnik z krainy Oz (1978), z udziałem Michaela Jacksona i Diane Ross, reinterpretował fabułę Czarnoksiężnik z Oz do nowojorskiego Harlemu. Filmy takie jak Skrzypek na dachu (1971), opowiadające o losach żydowskiego mleczarza próbującego wydać za mąż swoje córki, czy nagrodzony ośmioma Oscarami film Kabaret Boba Fosse’a (1972), opowiadający o romansie kilku bohaterów na tle rodzącego się w Berlinie lat 30. faszyzmu, stał się tym samym jedną z nielicznych wysp formalnej powagi w gatunku tradycyjnego musicalu, bazując na tym, co najlepsze z poprzednich dekad.

Wielkim hitem stał się musical Grease (1978), z udziałem Johna Travolty i Olivii Newton-John, który nostalgicznie nawiązywał do lat 50-tych, a którego piosenki ze względu na ich długotrwałą popularność stały się z czasem popularne. Popularne było również kręcenie filmów o gwiazdach muzycznego show-biznesu, z realistycznymi fabułami przeplatanymi numerami muzycznymi. W ten sposób powstał na przykład film Lady śpiewa bluesa (1972) o piosenkarce jazzowej Billie Holiday, kontynuacja filmu Zabawna dziewczyna zatytułowana Zabawna dama (1975), częściowo autobiograficzny musical Cały ten zgiełk autorstwa Boba Fosse’a (1979), czy powojenny New York, New York Martina Scorsesego (1977), o skomplikowanym romansie saksofonisty jazzowego i piosenkarki pop, w wykonaniu Roberta De Niro i Lizy Minnelli. Musical Hair (1979) w reżyserii Miloša Formana odzwierciedlał polityczne tematy wojny w Wietnamie i ruchu hipisowskiego.

 

Koniec tysiąclecia i upadek musicali

W latach 80. na pojawienie się wielu musicali filmowych korzystnie wpłynęła popularność musicali teatralnych na Broadwayu i londyńskim West Endzie, ale poza tym gatunek ten popadł w stagnację i stopniowo wymierał aż do końca tysiąclecia. John Landis wyprodukował Blues Brothers (1980), łączący musical o dwóch byłych przestępcach z pełnymi akcji pościgami samochodowymi, reżyser Blake Edwards napisał film dla swojej ówczesnej żony i byłej gwiazdy musicalu Julii Andrews Victor, Victoria (1982), a reżyser Alan Parker innowacyjnie zbudował fabułę musicalu Ściana (1982) na piosenkach zespołu rockowego Pink Floyd. Krwiożercza roślina Franka Oza  (1986), pomysłowy czarno-humorystyczny musical o mięsożernym kwiecie, oparty na niemuzycznym horrorze komediowym z 1960 roku o tej samej nazwie, był również godny uwagi ze względu na spektakularne alternatywne zakończenie i do dziś pozostaje kultowym hitem. Podobnie brytyjski musical Sens życia według Monty Pythona autorstwa słynnej grupy komediowej Monty Python, to ciąg absurdalnych skeczy i pomysłowych piosenek. Warto też wspomnieć o musicalach Footloose (1984) i Chór (1985).

Koniec lat 80. i całe lata 90. nie stanowiły szczególnie owocnego okresu pod względem musicali, ale było kilka wyjątków. Na przełomie obu dekad z dużym uznaniem spotkało się kilka animowanych musicali Disneya (patrz niżej) i kilku innych studiów, takich jak m.in. Księżniczka łabędzi (1994), Anastazja (1997) czy Książę Egiptu (1998). Na tym sukcesy animowanych musicali się nie skończyły - od dawna chwalony był lalkowy Miasteczko Halloween Henryego Selicka (1993), współreżyserowany przez Tima Burtona, oraz kontrowersyjny satyryczny Miasteczko South Park (1999), który był kontynuacją animowanego serialu twórców zwariowanego granego musicalu Alferd Packer: The Musical (1993). Spośród innych musicali granych z lat 90. na tle konkurencji wyróżniała się adaptacja musicalu Andrewa Lloyda Webbera Evita (1996), wyreżyserowany przez Alana Parkera, w którym piosenkarka Madonna zagrała główną rolę żony prezydenta Argentyny, Juana Peróna, a dalej Wszyscy mówią: kocham cię (1996) w reżyserii Woody Allena.

 

Złoty wiek musicali Disneya

Pod koniec lat 80. i na początku lat 90. ubiegłego wieku Disney odniósł spektakularny sukces dzięki kilku animowanym musicalom, które w tym czasie przeżywały renesans i powrót na szczyt po długim paśmie porażek i rozczarowań. Studio Disneya tworzyło animowane musicale od lat 40. ubiegłego wieku, kiedy to premierę miały między innymi filmy Dumbo (1941) i Kolorowe melodie (1948). Od tego czasu Disney wyprodukował nie tylko wiele innych animowanych musicali (np. Zakochany kundel,1955 lub Księga dżungli, 1967), ale także grane musicale akcji (Dzieci kapitana Granta, 1962), a nawet łączące żywą akcję z animacją (Pieśń Południa, 1946, Pete's Dragon, 1977 czy wspomniana wcześniej Mary Poppins). Ogromnym hitem stała się wówczas Mała syrenka (1989), a następnie Piękna i Bestia (1991, pierwszy w historii film animowany nominowany do Oscara w kategorii Najlepszy Film), Aladyn (1992) i Król Lew (1994), który trzy razy z rzędu bił rekordy kasowe.

Kluczowa w tym względzie była współpraca Disneya z kompozytorem Alanem Menkenem, który stał również za Krwiożercza roślina, i który najpierw był odpowiedzialny za filmy Disneya Mała syrenka a następnie inne filmy wspomniane powyżej. Od tego czasu Alan Menken współpracował z różnymi autorami piosenek przy wielu innych animowanych musicalach Disneya, takich jak m.in. Pocahontas (1995), Dzwonnik z Notre Dame (1996), Herkules (1997) i Zaplątani (2010). Wśród musicali znalazły się między innymi filmy Mulan (1998), Księżniczka i Żaba (2009) czy Kraina lodu (2013) oraz Vaiana: Skarb oceanu (2016). Z nowszych granych musicali akcji wyprodukowanych przez Disneya, na uwagę zasługują serie High School Musical (2006-2008), Muppety (2011), Tajemnice lasu (2014) oraz grane wersje Piękna i Bestia (2017) oraz Aladyn (2019), a także tych łączących akcję na żywo z animacją, np. Zaczarowana (2007) lub Mary Poppins powraca (2018).

 

Musicale Bollywood na przestrzeni wieków

Kino indyjskie ewoluowało wokół własnej osi od samego początku. Przemysł filmowy z siedzibą w Bombaju, zwany Bollywood, od dawna jest bardziej produktywny pod względem liczby filmów produkowanych rocznie niż jakikolwiek inny system studyjny na świecie, a głównym gatunkiem Bollywood zawsze był musical. Najwcześniejsze indyjskie musicale filmowe opierały się na tradycjach indyjskiego teatru i formacie wczesnych amerykańskich filmów dźwiękowych. Pierwszym pełnometrażowym indyjskim filmem dźwiękowym był Alam Ara (1931), zainspirowany zbiorem baśni Tysiąc i jedna noc. Niektóre z najsłynniejszych musicali powstały w okresie od lat 40. do 60. XX wieku, który został opisany jako złoty wiek kina indyjskiego. Filmy, takie jak Aurat (1940) i jego nominowany do Oscara remake Mother India (1957), Włóczęga (1951), Paragraf i miłość (1955) i Pragnienie (1957), należą do najbardziej docenianych filmów epoki.

Do lat 70. indyjskie kino muzyczne było zdominowane przez manieryczne filmy romantyczne i filmy o życiu klasy robotniczej. Następnie Bollywood rozwinęło tak zwany film masala, który łączył różne gatunki i zdefiniował kierunek, w jakim od tego czasu podąża kinematografia w Indiach. Przełomowym filmem w tym nurcie był Amar Akbar Anthony (1977), opowiadający historię trzech braci, którzy zostali rozdzieleni jako dzieci i połączyli się wiele lat później jako wyznawcy trzech różnych religii. Film Łańcuch (1973) łączył w sobie musical z kryminalną fabułą osadzoną w indyjskim półświatku, zachodni musical Sholay (1975) był inspirowany amerykańskimi filmami osadzonymi na Dzikim Zachodzie. Pracowano z wieloma gatunkami, na przykład Laawaris (1981), opowiadający o mężczyźnie próbującym poznać tożsamość swoich rodziców, którzy wyparli się go w dzieciństwie.

Druga połowa lat 80. przyniosła spadek indyjskiej produkcji filmowej i muzycznej z powodu zmęczenia widzów brutalnymi filmami akcji, któremu zaradził dopiero film Qayamat Se Qayamat Tak (1988), który przywrócił romantyczny wątek miłości dwojga młodych ludzi. Kolejna faza indyjskiego kina w latach 90-tych, określana mianem "nowego Bollywood", powróciła do tematu romansu (w filmach takich jak Chandni 1989, Raja Hindustani z 1996 roku czy Serce jest szalone, 1997). Po przełomie tysiącleci był to przede wszystkim musical Lagaan: Dawno temu w Indiach (2001), łączący historię narodową z romansem i wątkiem sportowym, który był nominowany do Oscara. W kolejnych latach sukcesy wśród widzów odnosiły także indyjskie musicale, m.in. Do zakochania jeden krok (2008) czy Yeh Jawaani Hai Deewani (2013).

 

Restart amerykańskich musicali po 2000 roku

Wraz z filmem Moulin Rouge (2001) reżysera Baza Luhrmanna udało się ożywić zainteresowanie publiczności musicalami. Ten postmodernistyczny, stylizowany dramat romantyczny, inspirowany kilkoma operami, a z ust głównych bohaterów w postaci Nicole Kidman i Ewana McGregora zabrzmiały fragmenty słynnych piosenek zeszłych dziesięcioleci, był nominowany do ośmiu Oscarów, otrzymał entuzjastyczne recenzje i stał się jednym z najbardziej znanych musicali w historii dzięki niezwykłej różnorodności audiowizualnej i wyrafinowanej inscenizacji. Po tym sukcesie powstał musical w reżyserii Roba Marshalla Chicago (2002), który zdobył sześć Oscarów z trzynastu nominacji, z udziałem Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones i Richarda Gere’a, opowiadał historię dwóch piosenkarek kabaretowych-morderczyń, które zostają przekształcone przez swojego prawnika w gwiazdy medialne.

Na podstawie słynnego musicalu Andrewa Lloyda Webbera, reżyser Joel Schumacher nakręcił w 2004 roku film Upiór w operze opowiadający klasyczną historię oszpeconego geniusza muzycznego, który zamieszkiwał teatralne katakumby. W 2007 roku Adam Shankman wyreżyserował przezabawny komediowy musical Lakier do włosów, zaś w reżyserii Tima Burtona powstał mroczny i ponury musical Sweeney Todd: Demoniczny golibroda z Fleet Street. Robowi Marshallowi nie udało się dołączyć do sukcesu filmu Chicago z filmem Nine - Dziewięć (2009) mimo czterech nominacji do Oscara, podczas gdy bardzo chwalona i ośmiokrotnie nominowana do Oscara adaptacja francuskiego musicalu Les Miserables. Nędznicy (2012) autorstwa Toma Hoopera zdobyła trzy złote statuetki.

Sześć z trzynastu nominacji do Oscara otrzymał niezwykle udany romantyczny musical La La Land (2016), w którym historia zakochanej pary granej przez Emmę Stone i Ryana Goslinga mierzy się z ambitnymi marzeniami i trudną rzeczywistością, a którego reżyser Damien Chazelle pomyślał jako hołd dla musicali z klasycznej ery Hollywood. Publiczność zachwyciła się również musicalem Król rozrywki (2017), w którym Hugh Jackman wcielił się w postać inspirowaną prawdziwym dyrektorem cyrku. Z drugiej strony, musical oparty na adaptacji teatralnej Andrewa Lloyda Webbera Koty (2019), okazał się wielką klapą i spotkał się jedynie z drwinami i szyderstwami.

 

Boom na biograficzne filmy muzyczne

Oprócz wielu innych musicali, po 2000 roku powstało kilka filmów opartych na piosenkach konkretnych znanych zespołów. Film Across the Universe (2007) obracał się całkowicie wokół hitów The Beatles, musical Mamma Mia! (2008) składał się w całości z piosenek zespołu ABBA, a film Sunshine on Leith (2013) szeroko wykorzystywał piosenki szkockiego duetu The Proclaimers. Powstało jednak znacznie więcej biograficznych filmów muzycznych opowiadających o losach słynnych piosenkarzy. Film 8 Mila (2002) był oparty na historii życia rapera Eminema, film Ray (2004) skupiał się na muzycznej karierze Raya Charlesa, a Spacer po linie (2005) opowiadał o losach Johnny'ego Casha.

Historia The Supremes była inspiracją dla musicalu Dreamgirls (2006), kariera pewnej słynnej francuskiej piosenkarki została podsumowana w musicalu Niczego nie żałuję (2007), film Notorious (2009) opowiadał o powstaniu i tragicznej strzelaninie rapera Christophera Wallaca aka Biggie Smalls, dramat Chłopcy z Jersey (2014) opowiadał o członkach The Four Seasons, a Get On Up (2014) o piosenkarzu, który zasłynął z piosenką I Feel Good. Dramat muzyczny Straight Outta Compton (2015) badał historię grupy rapowej N.W.A, niezwykle udany Bohemian Rhapsody (2018) skupiał się na czasie Freddiego Mercuryego w zespole Queen, a film biograficzny Rocketman (2019) opowiadał historię Eltona Johna.

Filmmaniak